ulat ng pagsasanay

Kabanata 1. Pagpipinta sa kahoy: kasaysayan, mga uri ng pagpipinta, kaugnayan

Ang artistikong pagpipinta ay ang sining ng dekorasyon ng anumang ibabaw na may mga pintura o brush. Ito ay isa sa mga pinaka sinaunang uri ng katutubong sining, na sa loob ng maraming siglo ay naging bahagi ng pang-araw-araw na buhay at kultura ng mga tao. Gayundin, ang pagpipinta ay isa ring pinakasikat na uri ng pandekorasyon at inilapat na sining.

Ang kasaysayan ng pagpipinta sa kahoy ay bumalik sa malayong nakaraan.Nang ang mga tao ay natutong gumawa ng mga bagay at kagamitan mula sa kahoy, nais nilang kahit papaano ay palamutihan ang kanilang buhay at pagyamanin ito. Ito ay pinaniniwalaan na ang mga ipininta na bagay ay nagtataboy sa masasamang espiritu. Ang mga pintura na unang ginamit ay mga hilaw na materyales na karaniwan sa kanilang lugar (clay, coal, chalk), kaya ang pagpipinta ng bawat rehiyon ay natatangi at nakikilala pa rin.

Ang pagpipinta ng kahoy ay maaaring nahahati sa tradisyonal at orihinal. Ang tradisyonal na pagpipinta ay nabuo sa mga nayon. Ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagiging simple at conciseness. Ang orihinal na pagpipinta ay ginawa ng mga masters sa mga lungsod. Ang mga gawaing ito ay nakikilala sa pamamagitan ng biyaya at propesyonalismo. Ang pamamaraan ng mga pagpipinta ng balangkas ay pinakuluan sa katotohanan na ang master ay naglapat ng isang malinaw na balangkas ng disenyo sa ibabaw ng produkto, at pagkatapos ay pininturahan ito sa iba't ibang kulay. Ang mga pintura ay inilapat nang napakalaya at sweepingly. Ang paksa para sa pagpipinta ay ang pagtatalaga ng iba't ibang mga simbolo na kinilala ang Araw bilang simbolo ng kagalakan, ang Ibon bilang simbolo ng kaligayahan at tagumpay, at ang Duck bilang tanda ng paglubog ng araw.

Ang pagpipinta ng kahoy ay nailalarawan sa pamamagitan ng dalawang pangunahing direksyon - graphic at brush. Una ay mayroong graphic painting. Ang pagpipinta na ito ay batay sa isang linear na graphic na disenyo. Ang master ay gumuhit ng isang herbal o floral pattern na may manipis na linya gamit ang panulat o stick. Pagkatapos ay pinunan niya ang mga numero ng maraming kulay na mga pintura. Ang ganitong uri ng pagpipinta ay mahusay na pinagkadalubhasaan ng mga masters na nakatira sa Northern Dvina. Ipininta nila ang kanilang mga komposisyon sa isang maliwanag na background na may berde, dilaw at pula na mga pintura. Ngunit ang pangunahing bagay dito ay ang itim na balangkas, na nakabalangkas sa buong pattern ng bulaklak - mga palumpong at bulaklak na may malalaking inukit na dahon.

Ang isa pang direksyon ay ang libreng pagpipinta ng brush. Ang pagpipinta na ito ay batay sa pagpapahayag ng painterly stroke at color spot. Direktang gumagana ang mga master ng istilong ito gamit ang isang brush, pagmomodelo ng mga anyo ng halaman, mga figure ng hayop at tao na may kulay.

Isa sa mga sentro ng pagpipinta na ito ay ang malawak na kilalang Khokhloma. Ang sinaunang Russian folk craft na ito ay ipinanganak noong ika-17 siglo sa rehiyon ng Nizhny Novgorod. Ang Khokhloma ay isang pandekorasyon na pagpipinta ng mga kagamitang gawa sa kahoy at muwebles, na ginawa sa pula, berde at itim na tono sa isang ginintuang background. Ang teknolohikal na proseso ng paglikha ng mga produktong Khokhloma ay nagpapanatili pa rin ng mga pangunahing prinsipyo na natagpuan noong ika-17-18 siglo. Ang unang yugto ay ang paggawa ng mga puting kagamitan sa kahoy - "linen" - sa isang lathe. Sinusundan ito ng priming - coating na may liquid clay solution, na sinusundan ng tinning na may silver, lata, at kasalukuyang aluminyo. Ang produkto ay nagiging makinis, makintab, handa na para sa pagpipinta. Ang inilapat na pagpipinta ay naayos sa oven. Pagkatapos kung saan ang produkto ay barnisan at sumailalim sa mainit na pagpapatayo, depende sa komposisyon ng barnisan. Ang mga natapos na produkto ay kumikinang na may maaraw na liwanag, nagiging napakatibay at magaan.

Ang mga katutubong at pandekorasyon na sining ay naging mahalagang bahagi ng kultural na sining. Ngayon, ang pagpipinta ay isa sa mga kasalukuyang uso. Ang halaga ng mga gawa ng pandekorasyon at inilapat na sining ay sumasalamin sa mga artistikong tradisyon, pananaw sa mundo, artistikong karanasan ng mga tao at pinapanatili ang makasaysayang memorya. Ang mga Zhostovo tray at lacquered box ay nagdudulot ng kagandahan sa ating buhay. Ang Gzhel ceramics, Gorodets saucers, mga pinggan na pininturahan ng Khokhloma ay lalong pumapasok sa ating pang-araw-araw na buhay bilang mga gawa ng sining, na pinapanatili ang makasaysayang koneksyon ng mga panahon.

Kabanata 2. Kasaysayan ng pagpipinta ng Gorodets

Sa panahon ng teknolohikal na kasanayan, ang Gorodets wood painting ay pinagkadalubhasaan.

Ang pagpipinta na ito ay nagmula sa inukit na mga gulong na umiikot na Gorodets, na may sariling kakaiba: isang suklay at isang ilalim. Ang paliwanag na diksyunaryo ng wikang Ruso V.I. Ipinaliwanag ni Dalia na ang salitang "ibaba" ay nangangahulugang "isang tabla kung saan nakaupo ang isang spinner, na naglalagay ng suklay dito." Nang matapos ang trabaho, kinuha niya ang suklay at isinabit ang ilalim sa dingding, at pinalamutian nito ang kubo. Samakatuwid, ang mga katutubong manggagawa ay nagbigay ng espesyal na pansin sa dekorasyon ng mga board na may mga ukit at mga kuwadro na gawa. Ang umiikot na gulong ay isang matapat na kasama sa buong buhay ng babaeng magsasaka. Madalas itong nagsisilbing regalo: ibinigay ito ng lalaking ikakasal sa nobya, ang ama sa anak na babae, ang asawa sa asawa. Samakatuwid, ang ilalim ay pinili upang maging matikas at makulay, sa kagalakan at sorpresa ng lahat. Ang umiikot na gulong ay ipinasa mula sa henerasyon hanggang sa henerasyon, ito ay inalagaan at inimbak.

Upang palamutihan ang Donets Gorodets, gumamit ang mga manggagawa ng isang natatanging pamamaraan - inlay: ang mga figure ay pinutol mula sa ibang uri ng kahoy at ipinasok sa isang recess ng naaangkop na hugis. Nang maglaon, ang mga manggagawa ay nagsimulang gumamit ng tinting para sa visual richness, isang maliwanag na kumbinasyon ng dilaw na may madilim na oak, ang pagdaragdag ng asul, berde, at pula na mga kulay ay ginawang mas elegante at makulay ang ilalim.

Ang pangangailangan upang madagdagan ang produksyon ng mga umiikot na ilalim ay nag-udyok sa mga manggagawa na gawing simple ang pandekorasyon na pamamaraan. Mula sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo, ang kumplikado at labor-intensive na pamamaraan ng inlay ay nagsimulang mapalitan ng simpleng pag-ukit ng tint, at mula noong 1870s, ang kaakit-akit na istilo ng dekorasyon ay nanaig sa Gorodetsky Donets.

Ang isang mas malayang pamamaraan ng pagpipinta ay naging posible upang lumikha ng mga bagong paksa at itinuro ang kagandahan ng isang libreng brushstroke, na nagpapahintulot sa isa na magpinta nang hindi muna gumuhit ng isang balangkas.

Ang bawat master ay may sariling mga paboritong lilim ng kulay at ang kanilang kumbinasyon. Kasabay nito, gumamit sila ng mga pangkalahatang pamamaraan upang lumikha ng isang karampatang scheme ng kulay. Alam ng mga master ng Gorodets kung paano lumikha ng balanse ng mga makukulay na spot sa ibabaw ng isang bagay, na nakakamit ang pagkakaisa ng kulay at pagkakumpleto ng pagpipinta.

Sa buong kasaysayan ng craft, ang mga katutubong artist ay lumikha ng isang orihinal na sistema ng pagpipinta, nakahanap ng mga natatanging larawan at nakabuo ng isang mayamang arsenal ng mga diskarte para sa pagpipinta ng mga detalye ng balangkas at mga elemento ng ornamental. Pinintura rin ng mga manggagawa ang mga wheelchair at upuan ng mga bata. Ang estilo ng Gorodets ay nakikilala, una sa lahat, sa pamamagitan ng nilalaman nito. Sa mga pagpipinta, ang pangunahing impresyon ay ibinibigay ng mga eksena sa genre. Ang lahat ng mga larawang ito ay kumbensyonal sa kalikasan, napaka-libre at pandekorasyon sa anyo.

Pangunahingovnye plots at mga diskarte para sa kanilang pagpapatupadnia.

Una sa lahat, inilalarawan ng mga master ang buhay ng mga magsasaka, mangangalakal, at isang kahanga-hangang parada ng mga kasuutan. Ang isang makabuluhang lugar ay inookupahan ng mga floral motif - luntiang "rosas", pininturahan nang malawak at pandekorasyon. Kasama ng mga genre na makatotohanang motif, ang mga pintura ng Gorodets ay naglalaman din ng mga pandekorasyon na larawan ng mga ibon at hayop. Ang pandekorasyon na katangian ng mga motif ay binibigyang diin sa tulong ng kulay at iba't ibang mga diskarte. Ang pangunahing pagtitiyak ng pagpipinta ng Gorodets ay ang mga masters ay karaniwang naglalarawan ng mga paksa sa isang transparent na background, sa gayon ay nagpapakita ng texture ng kahoy.

Ang pagpipinta ay ginagawa gamit ang isang brush, nang walang paunang pagguhit, na may libre at rich stroke. Ito ay napaka-magkakaibang - mula sa isang malawak na stroke hanggang sa pinakamahusay na linya at virtuoso stroke. Kaagad bago ang pagpipinta, ang workpiece ay dumaan sa isang kumplikadong yugto ng paghahanda, na binubuo ng pag-priming nito ng tisa at pinahiran ito ng pandikit. At pagkatapos lamang ng paunang gawaing ito ang master ay nagsimulang magpinta. Ang paraan ng pagpipinta ng produkto ay kawili-wili - paglalagay ng mga pangunahing kulay na sinusundan ng linear development. Ang pagpipinta ay kinumpleto ng "revival" - pinong pagputol ng mga ornamental form na may whitewash. Sa mga gawa ng mga master ng Gorodets, ang "revivals" ay palaging inilalapat sa mga monochromatic silhouette, na nagbigay sa kanila ng ilang volume

Mga sari-saring bulaklak na inilalarawan:

Kupavka ay ang pinaka-karaniwang bulaklak sa Gorodets ornament. Ang underpainting nito ay mas malaki sa sukat kaysa sa usbong. Underpainting, i.e. circular motion gamit ang brush, paglalapat ng isang color spot. Karaniwang sinisimulan nila itong ipinta gamit ang isang maliit na bilog sa gilid nito, pagkatapos ay gumawa ng bracket sa loob ng bilog. Ang mga bracket ay iginuhit sa gilid ng underpainting, kapareho ng hugis ng bracket sa loob ng underpainting, mas maliit lamang ang laki. Ang mga bracket sa gilid nito ay iginuhit, simula sa gitna, unti-unting binabawasan ang laki nito hanggang sa core. Ang huling yugto ng pagpipinta - ang revitalization ay karaniwang ginagawa gamit ang puti.

Rosean - may mga talulot at binibigkas na sentro. Silhouette sa hugis ng bilog. Ang laki ay maaaring mas malaki kaysa sa kupavka. Ang gitna ng bulaklak ay iginuhit sa gitna. Ang rosas sa pagpipinta ng bayan ay napapalibutan ng mga bracket - mga talulot ng parehong laki, ang kulay nito ay tumutugma sa kulay ng gitna. Ang pamamaraan para sa pagpipinta ng mga bracket ay kapareho ng para sa kupavka.

Ang mga opsyon sa pagpapaunlad para sa revitalization ay sobrang magkakaibang kaya mahirap pangalanan kahit ang mga pinakakaraniwan. Gumagamit ang mga Gorodets artist ng mga tuldok, bracket, patak, at spiral.

Ang isa pang karaniwang bulaklak ay ang chamomile. Pamamaraan: bahagyang hawakan ang ibabaw ng papel gamit ang dulo ng brush, na nag-iiwan ng manipis na marka dito. Pagkatapos, nang hindi tumitingin mula sa papel, ang brush ay mabilis na inilapat at itinaas. Bilang isang resulta, ang master ay nakakakuha ng isang drop-like stroke - manipis sa simula at lapad sa dulo. Tulad ng isang rosas, mayroon itong ubod, tanging mga patak na talulot lamang ang iginuhit sa paligid nito.

Ang mga dahon ng Gorodets ay medyo iba-iba sa hugis, sukat at kulay. Sila ay halos palaging nakaayos sa mga grupo ng lima, tatlo o dalawang dahon.

Ang ibong Gorodets ay simbolo ng kaligayahan ng pamilya. Ang mga ibon ay inilalarawan sa iba't ibang bersyon: isang mapagmataas na paboreal, isang mabangis na tandang, at isang ibong fairytale. Sinimulan nilang isulat ang mga ito gamit ang isang makinis na linya na naglalarawan sa liko ng leeg at dibdib, pagkatapos ay iguguhit ang isang linya na tumutukoy sa hugis ng ulo at likod, pagkatapos ay tinutukoy ang linya ng pakpak, tulad ng sinulid na tuka at mga binti. Kadalasan, ang katawan ay pininturahan ng itim, ang pakpak ay pininturahan ng berdeng pintura. Ang buntot ay nakasulat sa iba't ibang paraan, halimbawa, ito ay limitado sa magkabilang panig ng mga linya na tumutukoy sa silweta nito at pininturahan. Pinakamabuting gawin ito sa iskarlata. Sa isa pang kaso, ang bawat balahibo ng buntot ay pininturahan sa dalawang kulay. Ang pag-unlad ng mga ibon ay nagsisimula sa ulo at nagtatapos sa buntot. Ang mga revival ay ginagawa gamit ang whitewash, na naglalagay ng mga manipis na stroke.

Ang kabayong Gorodets ay simbolo ng kayamanan. Ito ay halos itim ang kulay, na may maliit na ulo sa isang matarik na arko na leeg at isang maayos na suklay na mane. Inilalarawan ito ng mga master sa maraming paraan. Ang ilan ay gumagamit ng maluwag na mga stroke upang isulat ang balangkas ng buong pigura at pagkatapos ay ipinta ito. Ang iba ay nagtatayo ng pigura ng isang kabayo na may mga spot ng kulay, na nagsisimula sa pinakamalaking vertical na elemento - ang dibdib at leeg. Ang mga balangkas ng harness at saddle, ang likod at mga bahagi ng tiyan ng katawan ay idinagdag sa kanila. Ang eroplanong limitado ng mga linya ng harness at saddle ay nananatiling magaan sa bersyong ito. Kadalasan, ang saddle at harness ay ginawa sa iskarlata, at ang mga detalye ng ulo at binti ng buntot ay ginawa na may puti.

Komposisyon sa pagpipinta ng Gorodets.

Ang lahat ng mga gawa ng sining ay nilikha ayon sa mga batas ng komposisyon, hindi pagsunod o kamangmangan na maaaring humantong sa isang paglabag sa pagkakaisa.

Para sa komposisyon ng mga gawa ng pandekorasyon at inilapat na sining, ang pangunahing bagay ay ang pagkakaisa ng nilalaman at anyo. Ang isa pang tiyak na tampok ay ang pagsusulatan ng anyo ng isang gawa ng pandekorasyon na sining sa tiyak na layunin nito.

Sa isang malaking lawak, ang likas na katangian ng komposisyon ay tinutukoy ng pare-parehong paghalili ng mga elemento ng disenyo, na nag-aambag sa pagkamit ng kalinawan at pagpapahayag ng komposisyon.

Ang isang rhythmically organized pattern ay madaling nagiging isang dekorasyon - ang batayan ng komposisyon. Ngunit ang dekorasyon ay hindi lamang ang paulit-ulit na pag-uulit ng mga katulad na elemento ng isang disenyo. Ang isang maganda at malinaw na pagguhit ng mga detalye ng pangkalahatang silweta ay napakahalaga.

Sa mga inukit na ilalim na itinatago sa mga museo, isang komposisyon na naglalarawan ng dalawang sakay sa pag-aalaga ng mga kabayo ay kadalasang ipinakita. Ang mga sakay ay nakaposisyon sa magkabilang gilid ng isang puno ng bulaklak, mula sa tuktok kung saan ang isang sisne ay umaalis. Sa ibabang bahagi, ang mga master ng Donetsk ay karaniwang naglalarawan ng mga eksena sa genre ng mga ginoo na naglalakad kasama ang mga kababaihan, mga eksena sa pangangaso, atbp. Sa pagtatapos ng ika-19 na siglo. Ang isang katangian na anyo ng floral ornament na may ilang mga elemento ay nabuo: ito ay mga buds, rosas at isang bulaklak, na walang katapusang paulit-ulit sa iba't ibang mga bersyon. Sa gitna ng compositional plane, inilalagay ng mga artist ang pangunahing imahe: isang ibon, isang kabayo, isang tao, isang grupo ng mga tao o isang motif ng halaman.

Ang mga katutubong artista ay nagpinta ng mga mukha sa isang paraan - sa anyo ng isang puting bilog, kung saan ang kanilang mga tampok ay ipinahiwatig na may manipis na itim na mga linya. Ang mga estilo ng buhok para sa parehong mga kalalakihan at kababaihan ay nakikilala sa pamamagitan ng mahusay na pagiging sopistikado, ngunit itim lamang ang ginagamit para sa pangkulay. Sa paglalarawan ng mga figure mismo, ang isang flat color scheme ay ginagamit, kung saan ang mga pangunahing malalaking spot (mga palda, jacket, jacket, pantalon) ay pininturahan nang walang balangkas, sa anyo ng isang monochromatic na makulay na silweta. Ang mga maliliwanag na bulaklak at pandekorasyon na berdeng dahon ay nananatiling paboritong pandekorasyon na motif sa sining ng mga masters ng Gorodets, na nagbibigay sa pagpipinta ng isang espesyal na kagandahan.

Pagpipinta ni Veliky Ustyug

Sa pagpipinta ng Ustyug mayroong tatlong uri ng pagpipinta: dibdib, kahon at kumplikadong ornamental, na tinatawag ding "royal" na pagpipinta. Ang chest painting ay ginawa sa chests ng mga propesyonal na artist. Ito ay inilarawan sa itaas ...

Grapevine - pandekorasyon na floral motif ng folk ornament

Ang pag-ukit ay isang uri ng pandekorasyon na sining; isang paraan ng masining na pagproseso ng kahoy, bato, buto, terakota, barnis at iba pang materyales sa pamamagitan ng pag-ukit. Ang pag-ukit ay ginagamit upang palamutihan ang mga gamit sa bahay, dekorasyon ng mga gusali...

Holographic cinema (kasalukuyang estado ng isyu, pagsusuri)

Ang holography ay isa sa mga bagong larangan ng agham at teknolohiya. Natuklasan ito noong 1947 ng isang Ingles na siyentipiko - Propesor D. Gabor - na nagmungkahi ng isang paraan ng interference para sa pagtatala ng mga light wave...

Dekorasyon na plorera

Kapag nagpinta sa volumetric, spherical at cylindrical na mga ibabaw, ang tamang posisyon ng kamay ay itinuturing na isang malinaw na pag-aayos ng siko, iyon ay, sa panahon ng trabaho ay hindi ito halos gumagalaw, at ang kamay ay dapat gumalaw sa nais na direksyon...

Pandekorasyon na pareo scarves na "Summer" gamit ang pamamaraan ng artistikong pagpipinta ng tela

Kahoy sa Russian folk crafts

Ang artistikong pag-ukit ng kahoy ay isa sa mga pinakaluma at pinakalaganap na uri ng artistikong paggawa ng kahoy, kung saan ang isang pattern ay inilalapat sa isang produkto gamit ang isang palakol, kutsilyo, pamutol, pait, pait at iba pang katulad na mga tool...

Ang kasaysayan ng pagbuo ng ballet ng Russia

Moscow Academic Choreographic School, isa sa mga pinakalumang institusyong pang-edukasyon sa teatro, na ang mga aktibidad ay nauugnay sa pagbuo at pag-unlad ng pambansang ballet school ng Russia...

Wicker weaving at openwork wood carving

1.1 Mga lihim ng sining ng wicker weaving Ang sining ng wicker weaving ay nag-ugat sa kalaliman ng mga siglo. Nasa Panahon ng Bato, mayroong isang paraan ng pagpapaputok ng mga produkto ng luad: una, gumawa sila ng isang lalagyan ng wicker mula sa mga sanga...

Organisasyon ng isang bilog na pagpipinta ng tela

a) Knotted batik technique Gamit ang knotted batik, o pagpipinta gamit ang Shibori technique, maaari kang lumikha ng ganap na kakaibang pattern sa tela. Ang salitang "shibori" ay nagmula sa Japanese at nangangahulugang "twist", "rotate", "press"...

Pagpipinta ng Petrikovskaya

Ang pagpipinta ng Petrikov ay lumitaw nang matagal bago ang pagdating ng Kristiyanismo at ginampanan ang papel ng isang anting-anting. Naniniwala ang mga tao na ang kagandahan ay may ilang uri ng mahika, espirituwal na kapangyarihan, at samakatuwid ang mga bintana at pintuan ng mga bahay at maging ang mga damit ay nababalutan ng mahiwagang mga palamuti...

Pag-unlad at pagpapatupad ng isang serye ng mga gawa sa materyal gamit ang mainit na pamamaraan ng batik sa ilalim ng motto na "Belgorod ay ang berdeng kapital"

Ang mga pandekorasyon at inilapat na sining at katutubong sining at sining ay sumasakop sa isang espesyal na lugar sa modernong sosyokultural at pang-ekonomiyang espasyo. Ito ang tanging lugar ng pagkamalikhain...

Mga pintura ng Northern Dvina. Tradisyon at modernidad

Mula noong sinaunang panahon, ang mga pinggan at iba pang mga gamit sa bahay na gawa sa mga keramika ay malawak na kilala sa Rus'. Ang isa sa mga pinakatanyag na pamayanan sa Rus, na ang mga residente ay nakikibahagi sa paggawa ng ceramic porcelain tableware, ay Gzhel (ngayon ang lungsod ay matatagpuan sa distrito ng Ramensky ng rehiyon ng Moscow). Mula noong ika-17 siglo, at kahit na mas maaga, ang Gzhel ay naging isang sikat na sentro para sa paggawa ng porselana at keramika. Ang mga produkto ng mga lokal na manggagawa ay ipinamamahagi sa buong Russia. Dapat pansinin na noong unang panahon ang lungsod na ito ay isa sa mga sentro ng Old Believers-Priest. Ang kasagsagan ng Gzhel ay naganap sa mga aktibidad ng Partnership for the Production of Porcelain and Earthenware Products M.S. Kuznetsov" sa pagtatapos ng ika-19 - simula ng ika-20 siglo.

Ang pagbuo ng paleta ng kulay ng Gzhel na pamilyar sa amin ay nagsimula noong simula ng ika-19 na siglo. Itinuturo ng mga mananaliksik na mula noong 1820s, dumaraming bilang ng mga produktong Gzhel ang pininturahan ng puti at pininturahan ng asul na pintura. Sa ngayon, ang asul na pagpipinta ay isang katangian ng mga produkto ng Gzhel. Ang katanyagan ng gayong mga pinggan ay naging napakahusay na ang mga katulad na produkto ay nagsimulang malikha sa ibang mga lugar, ngunit mayroon silang katulad na asul at puting palamuti. Marami ring pekeng lumabas.

Sinasabi ng mga eksperto na ang mga orihinal na gawa lamang na humubog sa pamilyar na istilo ng Gzhel noong dekada 80 ng ika-20 siglo ay matatawag na mga tunay na produkto ng Gzhel. Ito ay mga gawa ng mga artista tulad ng Azarova, Denisov, Neplyuev, Fedorovskaya, Oleynikov, Tsaregorodtsev, Podgornaya, Garanin, Simonov at iba pa. Ang bawat isa sa mga manggagawang ito ay naglalagay ng personal na pirma o selyo ng kumpanya kung saan sila nagtatrabaho sa produkto. Kung ang master ay isang empleyado ng enterprise, pagkatapos ay ang kanyang mga produkto ay inilipat sa production workshop para sa layunin ng pagtitiklop.

Pagpipinta ni Zhostovo

Sa kalagitnaan ng ika-18 siglo, isang bagong uri ng pangingisda ang lumitaw sa Ural, kung saan matatagpuan ang mga halamang metalurhiko ng Demidov. Ang mga lokal na manggagawa ay nagsimulang magpinta ng mga metal na tray. Kapansin-pansin na ang mga naturang workshop ay lumitaw sa mga lungsod kung saan ang malaking bahagi ng populasyon ay mga Lumang Mananampalataya, na mayroon pa ring mga dasal at simbahan doon. Ito ay ang Nizhny Tagil, Nevyansk at Vyysk, na itinatag noong 1722. Ganito lumitaw ang tinatawag na Tagil trays. Ang mga industriyalista ng Demidov, na namamahala sa bapor na ito, ay labis na nag-aalala tungkol sa kalidad at masining na halaga ng mga produkto. Upang turuan at sanayin ang mga propesyonal na tauhan, itinatag nila ang isang paaralan noong 1806. Ang makasaysayang istilo ng mga tray ng Tagil ay nilikha salamat sa paaralang ito at sa pinaka-makapangyarihang guro nito - isang nagtapos ng Imperial Academy of Arts V.I. Albychev.

Ang mga pininturahan na tray ng Tagil ay naibenta sa buong bansa. Sinimulan nilang subukang gumawa ng mga katulad na produkto sa ibang mga lugar. Ang pinakamatagumpay na pagtatangka ay ang organisasyon ng paggawa ng mga pininturahan na mga tray sa nayon ng Zhostovo, lalawigan ng Moscow. Ang mga tray na ginawa doon ay naging tanyag sa unang kalahati ng ika-19 na siglo. Simula noon, ang ganitong uri ng bapor ay nakatanggap ng pangalang "Zhostovo painting". Hanggang ngayon, ang craft ng tray painting ay nakaligtas lamang sa Nizhny Tagil at Zhostovo. Ang pagpipinta ay pangunahing ginagawa sa isang itim na background (paminsan-minsan sa pula, asul, berde).

Ang mga pangunahing motibo para sa pagpipinta ay: mga bouquet ng bulaklak, parehong malago na hardin at maliliit na wildflower; Ural landscape o sinaunang lungsod. Sa ilang mga antigong tray, makikita mo ang mga tao at kamangha-manghang mga ibon. Ang mga pininturahan na tray ay ginagamit para sa kanilang nilalayon na layunin (para sa isang samovar, para sa paghahatid ng tanghalian) o para sa dekorasyon. Ayon sa kanilang hugis, ang mga tray ay nahahati sa bilog, octagonal, rectangular, at oval.

Maliit na Palekh

Matapos ang Rebolusyong Oktubre at ang simula ng pag-uusig sa relihiyon, ang mga pintor ng icon ng Palekh ay kailangang maghanap ng bagong paraan upang kumita ng pera. Kaya, marami ang nagsanay muli bilang mga masters ng mga miniature na may kakulangan. Ang ganitong uri ng miniature ay ginawa gamit ang tempera sa papier-mâché. Bilang isang patakaran, ang mga kahon, mga casket, mga kapsula, mga brooch, mga panel, mga ashtray, mga kaso ng karayom ​​at higit pa ay pininturahan. Ang pagpipinta ay ginawa sa ginto sa isang itim na background. Ang orihinal na teknolohiya ng huling siglo, na ginamit ng unang mga manggagawa ng Palekh noong 1920-30s ng ika-20 siglo, ay bahagyang napanatili.

Ang mga katangiang paksa ng mga miniature ng Palekh ay hiniram mula sa pang-araw-araw na buhay, mga akdang pampanitikan ng mga klasiko, mga engkanto, mga epiko at mga kanta. Maraming mga kwento ang nakatuon sa mga makasaysayang kaganapan, kabilang ang rebolusyon at digmaang sibil. Mayroong isang serye ng mga miniature na nakatuon sa paggalugad sa kalawakan. Mula noong simula ng ika-21 siglo, sa ilang mga masters na nagtatrabaho sa paraang Palekh, nagkaroon ng posibilidad na bumalik sa iconographic na mga paksa.

Ang Fedoskino miniature ay isa pang uri ng tradisyonal na Russian lacquer na miniature na pagpipinta. Ginawa gamit ang mga pintura ng langis sa papier-mâché. Hindi tulad ng mga miniature ng Palekh, na ang mga diskarte ay nagmula sa pagpipinta ng icon, ang Fedoskino miniature ay unang nabuo bilang isang uri ng inilapat na sining, kaya't ang mas "down-to-earth" na estilo ng pagpipinta.

Ang mga miniature ng Fedoskino ay nagmula sa pagtatapos ng ika-18 siglo sa nayon ng Fedoskino, lalawigan ng Moscow. Ang mga pangunahing motif ng miniature: "troikas", "tea party", mga eksena mula sa buhay ng mga magsasaka. Ang pinakamahalaga ay ang mga casket at casket na pinalamutian ng mga kumplikadong multi-figure na komposisyon - mga kopya ng mga kuwadro na gawa ng Russian at Western European artist.

Noong ika-19 na siglo, ang mga miniature ng Fedoskino ay nagsilbi sa karamihan ng mga layuning pampalamuti. Sa kalagitnaan ng ika-20 siglo, nagsimulang umunlad ang direksyon ng may-akda. Ang mga plot ng mga miniature ay nagsimulang maging mas kumplikado.

Khokhloma

Ang Nizhny Novgorod decorative Khokhloma painting ay kilala sa buong Russia. Nagmula ang palaisdaan noong ika-17 siglo sa nayon ng Khokhloma. Matatagpuan ito sa teritoryo ng dating distrito ng Semenovsky ng lalawigan ng Nizhny Novgorod, na sikat noong sinaunang panahon para sa malalaking monasteryo ng Old Believer, tulad ng mga monasteryo ng Sharpansky at Olenevsky. Hindi sinasadya na sa sikat na nobela ni Andrei Melnikov (Pechersky) ang Old Believers ng distrito ng Semenovsky ay nakikibahagi sa paggawa ng mga kagamitang gawa sa kahoy. Ginawa rin namin ito sa Khokhloma. Gayunpaman, ang mga master ng Khokhloma ay naging kilala sa buong Russia para sa kanilang hindi pangkaraniwang, maliwanag na mga kuwadro na gawa. Nagpinta sila ng mga kahoy na pinggan at kasangkapan. Ang mga kulay na pangunahing ginagamit ay itim, pula, ginto, at minsan berde.

Upang makamit ang katangian ng ginintuang kulay ng Khokhloma, ang mga lokal na manggagawa ay naglalagay ng silver tin powder sa ibabaw ng produkto kapag nagpinta. Pagkatapos nito, ang mga ito ay barnisado at naproseso ng tatlo o apat na beses sa oven, na nakakamit ng isang natatanging honey-golden na kulay, na nagbibigay sa mga magaan na kagamitan sa kahoy ng isang napakalaking epekto.

Salamat sa teknolohiyang ito na lumilikha ng hindi pangkaraniwang kulay, naging tanyag ang Khokhloma sa buong mundo. Ang mga plato at kutsara na ginawa sa istilong ito ay nagsimulang makita noong ika-20 siglo bilang simbolo ng pambansang pinggan ng Russia.

Ang pagpipinta ng Gorodets ay lumitaw noong kalagitnaan ng ika-19 na siglo sa lugar ng sinaunang lungsod ng Gorodets, lalawigan ng Nizhny Novgorod. Sa pamamagitan ng pagsisikap ng mga Lumang Mananampalataya, ang Gorodets ay naging sentro ng paggawa ng mga barkong gawa sa kahoy at pangangalakal ng butil na may katanyagan sa lahat ng Ruso. Ang mga mangangalakal ng Old Believers ay nagbigay ng malaking halaga para sa pagtatayo ng mga simbahan, pagpapanatili ng mga ospital, mga bahay-ampunan, pampublikong edukasyon at pagpapabuti ng lungsod.

Ang pagpipinta ng Gorodets ay maliwanag at laconic. Ang mga pangunahing tema ng pagpipinta ay mga eksena mula sa mga engkanto, mga pigura ng mga kabayo, ibon, bulaklak, magsasaka at buhay mangangalakal. Ang pagpipinta ay tapos na sa isang libreng stroke na may puti at itim na graphic stroke. Ang pagpipinta ng Gorodets ay pinalamutian ng mga umiikot na gulong, muwebles, shutter, pinto, dibdib, arko, sleigh, at mga laruan ng bata.

Yan ang sinasabi niya V.S. Voronov tungkol sa pagpipinta ng Gorodets:

Ang estilo ng Nizhny Novgorod ay nagtatanghal sa amin ng pinakadalisay na bersyon ng tunay na larawang sining, na nagtagumpay sa balangkas ng graphic captivity at batay lamang sa mga elemento ng pagpipinta.

Pagpipinta ng Mezen

Ang pagpipinta ng Mezen sa kahoy (palaschel painting) ay isang espesyal na uri ng pagpipinta ng mga kagamitan sa sambahayan, lalo na ang mga umiikot na gulong, ladle, kahon, bratin, na nabuo sa pagtatapos ng ika-19 na siglo sa ibabang bahagi ng Ilog Mezen. Mula noong sinaunang panahon, ang mga lugar na ito, tulad ng buong rehiyon ng dalampasigan, ay pinaninirahan ng mga Lumang Mananampalataya. At mula Disyembre 1664 hanggang Pebrero 1666, si Archpriest Avvakum ay naka-exile sa Mezen mismo. Ang pinakalumang nakaligtas na spinning wheel na may Mezen painting ay itinayo noong 1815.

Ang mga masining na motif ng pagpipinta ng Mezen ay matatagpuan sa mga sulat-kamay na aklat noong ika-18 siglo, na ginawa sa Pomerania. Ang mga pangunahing kulay ng pagpipinta ng Mezen ay itim at pula. Ang mga pangunahing motif ng mga geometric na pattern ay mga disc, rhombus, crosses. Ang pininturahan na bagay ay natatakpan ng drying oil, na nagpoprotekta sa pintura mula sa pagkabura at nagbigay sa produkto ng gintong kulay.

Sa pagtatapos ng ika-19 na siglo, ang pagpipinta ng Mezen ay puro sa nayon ng Palashchelye, kung saan nagtrabaho ang buong pamilya ng mga manggagawa: ang Aksenovs, Novikovs, Fedotovs, Kuzmins, Shishovs. Noong kalagitnaan ng 1960s. Ang pagpipinta ng Mezen ay muling binuhay ng mga inapo ng mga matandang master ng Palashchel: F.M. Fedotov sa nayon ng Palashchelye at S.F. at I.S. Fatyanovs sa nayon ng Selishche. Ang eksibisyon ng Mezen spinning wheels noong 2018 ay naging unang kaganapan sa bagong bukas na museo na pinangalanan. Gilyarovsky, sa Stoleshnikov Lane sa Moscow.

Ang Vologda lace ay isang Russian craft na nagmula sa rehiyon ng Vologda noong ika-16 na siglo. Ang puntas ay hinabi gamit ang bobbins (wooden sticks). Bilang isang hiwalay na bapor na may sariling katangian, ang Vologda lace ay kilala na noong ika-17-18 na siglo. Gayunpaman, hanggang sa ika-19 na siglo, ang paggawa ng puntas ay isang gawaing bahay, na pangunahing ginagawa ng mga pribadong manggagawang babae. Sa pagtaas ng katanyagan ng Vologda lace, ang produksyon ng mga produkto ay inilagay sa stream. Noong ika-19 na siglo, lumitaw ang mga pabrika ng puntas sa paligid ng Vologda.

Ang lahat ng mga pangunahing larawan sa interlocking Vologda lace ay ginawa gamit ang siksik, tuluy-tuloy na tirintas ng parehong lapad. Para sa paggawa ng Vologda lace, ginagamit ang isang cushion cushion, juniper o birch bobbins, pin, at splinters. Ang isang tipikal na materyal para sa Vologda lace ay linen.

Ang mga paksa ng Vologda lace ay ibang-iba - mula sa mga floral na burloloy hanggang sa mga may korte na komposisyon. Sa Vologda lace maaari kang makahanap ng Kristiyano at sinaunang mga simbolo ng katutubong.

Ang Yelets lace ay hindi gaanong sikat. Ito ay hinahabi gamit ang bobbins. Ang ganitong uri ng puntas ay nagmula sa simula ng ika-19 na siglo sa lungsod ng Yelets.

Ang puntas ay nakikilala sa pamamagitan ng malambot na kaibahan ng isang maliit na pattern (floral at geometric) at isang manipis na background ng openwork.

Ito ay pinaniniwalaan na ang Yelets lace ay mas magaan at mas eleganteng kaysa sa Vologda lace.

Ang Mtsensk lace ay isang uri ng Russian lace na hinabi gamit ang bobbins.

Ang puntas ng Mtsensk ay lumitaw sa lungsod ng Mtsensk, rehiyon ng Oryol, noong ika-18 siglo. Naging posible ito salamat sa lokal na may-ari ng lupa na si Protasova, na nagtipon ng mga craftswomen mula sa iba't ibang bahagi ng Russia at nagtatag ng isang pabrika - ang pinakamalaking produksyon ng puntas sa Russia noong panahong iyon.

Ang isang natatanging tampok ay ang paggamit ng mga geometric na motif. Kung ikukumpara sa Vologda lace, ang pattern sa loob nito ay hindi gaanong siksik at mayaman, tulad ng isinulat ng mga eksperto - mas "mahangin".

Sa simula ng ika-18 siglo, ang mga manggagawang babae na nakikibahagi sa paggawa ng puntas ay lumitaw sa lalawigan ng Vyatka. Gayunpaman, ang produksyon ng puntas ay nakakuha ng isang pang-industriya na sukat lamang sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. Ang gawaing ito ay isinasagawa ng mga manggagawang magsasaka. Noong 1893, sa pag-areglo ng Kukarka, distrito ng Yaransky, lalawigan ng Vyatka, isang zemstvo na paaralan ng mga lacemaker ay inayos. Ang mga hugis ng mga produkto ay iba-iba at kung minsan ay hindi karaniwan: ito ay mga vests, braids ng scarves, collars, napkins na may mga pattern sa anyo ng butterflies, luntiang bulaklak, at whimsical loops.

Ang pinaka-kagiliw-giliw na mga produkto na ginawa mula sa Vyatka lace ay nilikha noong panahon ng Sobyet. Ang mga tagumpay na ito ay nauugnay sa pangalan ng sikat na lace artist, nagwagi ng State Prize ng Russia na pinangalanang Repin Anfisa Fedorovna Blinova. Ang kanyang mga gawa ay nasa Tretyakov Gallery, ang Russian Museum, ang Russian Art Fund, at ang Moscow Research Institute of the Art Industry.

Sa panahon ng krisis sa ekonomiya noong 90s ng ika-20 siglo, ang pabrika ng puntas na matatagpuan sa lungsod ng Sovetsk (dating pamayanan ng Kukarka) ay sarado. Kamakailan lamang, noong 2012, ang Kukarskoe Lace production cooperative-artel ay nilikha sa lungsod, unti-unting binubuhay ang mga tradisyon ng sinaunang bapor.

Ang Orenburg downy scarf ay isang niniting na scarf na ginawa mula sa kakaibang down ng Orenburg goats, na inilapat sa isang espesyal na base (koton, sutla o iba pang materyal).

Ang palaisdaan na ito ay nagmula sa lalawigan ng Orenburg noong ika-18 siglo. Ang mga produkto ay masyadong manipis, tulad ng mga pakana, ngunit sila ay karaniwang may isang kumplikadong pattern at ginagamit bilang dekorasyon. Ang pagiging manipis ng isang produkto ay madalas na tinutukoy ng dalawang parameter: kung ang produkto ay umaangkop sa isang singsing at kung ito ay kasya sa isang itlog ng gansa.

Noong kalagitnaan ng ika-19 na siglo, ang mga down scarves ay ipinakita sa mga eksibisyon sa mga bansang European, kung saan nakatanggap sila ng internasyonal na pagkilala. Ang mga paulit-ulit na pagtatangka ay ginawa, kabilang ang ibang bansa, upang buksan ang produksyon ng naturang fluff para sa mga pangangailangan ng magaan na industriya. Gayunpaman, hindi sila nagtagumpay. Ito ay naka-out na upang makakuha ng tulad pinong at mainit-init himulmol mula sa mga kambing, sa halip malupit na klimatiko kondisyon at isang tiyak na diyeta ay kinakailangan, ang kumbinasyon ng kung saan ay posible lamang sa teritoryo ng Orenburg rehiyon.

Sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo, sa lungsod ng Pavlovsky Posad, ang mga woolen scarves na may tinatawag na naka-print na pattern, na inilapat sa tela gamit ang mga form na may pattern ng relief, ay nagsimulang gawin. Ang mga pavloposad shawl ay tradisyonal na itim o pula na mga produkto na may makapal na pattern ng bulaklak.

Noong dekada 70 Noong ika-19 na siglo, nabuo ang palette ng mga scarf na pamilyar sa amin, at lumawak ang hanay ng mga scarves na may naturalistic floral motif. Mas gusto ng mga craftswomen ang mga larawan ng mga bulaklak sa hardin, pangunahin ang mga rosas at dahlias.

Hanggang sa 1970s, ang disenyo ay inilapat sa tela gamit ang mga kahoy na inukit na anyo: ang balangkas ng disenyo - na may mga board - "mga asal", ang disenyo mismo - na may "mga bulaklak". Ang paglikha ng scarf ay nangangailangan ng hanggang 400 na mga overlay. Mula noong 1970s, ang dye ay inilapat sa tela gamit ang silk at nylon mesh templates. Pinapayagan ka nitong dagdagan ang bilang ng mga kulay, ang kagandahan ng disenyo at pagbutihin ang kalidad ng produksyon.

Ang Krestetsky stitching (o Krestetsky embroidery) ay isang katutubong bapor na binuo mula noong 1860s sa distrito ng Krestetsky ng lalawigan ng Novgorod, na tinitirhan mula noong sinaunang panahon ng Old Believers.

Krestetskaya stitch ay ang pinaka-labor-intensive at kumplikadong stitch embroidery technique.

Ang pagbuburda ay ginawa sa telang lino, at ang mga sinulid, mga warp at hinabi ay pinutol at hinugot mula sa tela, na bumubuo ng mga puwang na parang mesh. Ang tela na ito ay ginamit upang lumikha ng iba't ibang mga pattern at burda. Ang pagbuburda ng Krestetsk ay ginamit upang palamutihan ang mga bagay ng damit, kurtina, at tuwalya.

Kasli casting - artistikong mga produkto (sculpture, lattices, architectural elements, etc.) na gawa sa cast iron at bronze, na ginawa sa isang iron foundry sa lungsod ng Kasli.

Ang halaman na ito ay itinatag noong 1749 ng merchant ng Old Believer na si Yakov Korobkov, na dumating dito kasama ang kanyang pamilya mula sa Tula. Pinatnubayan siya ng utos ni Peter I, na nagbabasa:

Ipinagmamalaki ng bawat isa, ang kalayaan ay ibinibigay, anuman ang ranggo at dignidad, sa lahat ng lugar, kapwa sa sarili at sa mga banyagang lupain, upang maghanap, matunaw, magluto, linisin ang lahat ng uri ng mga metal at mineral.

Sculpture "Russia" N.A. Laveretsky, Kasli casting, 1896

Karamihan sa mga manggagawa ng halaman ay mga Lumang Mananampalataya na dumating mula sa iba't ibang lugar sa lupain ng Ural, kung saan hindi gaanong kapansin-pansin ang pag-uusig sa lumang pananampalataya.

Ang mga tradisyon ng Kasli casting - graphic na kalinawan ng silhouette, isang kumbinasyon ng maingat na natapos na mga detalye at mga pangkalahatang eroplano na may isang masiglang paglalaro ng mga highlight - na binuo noong ika-19 na siglo. Sa panahong ito, nag-recruit ang mga may-ari ng planta ng mga bagong mahuhusay na sculptor, artist, chaser at molder. Nakatanggap ng Grand Prix award ang mga produkto ng casting ng Kasli sa prestihiyosong Paris World Exhibition of Applied Arts noong 1900.

Ang Shemogodskaya slotted birch bark, na nagmula sa rehiyon ng Vologda, ay naging lalong popular. Ang bark ng birch, sa kabila ng maliwanag na hina nito, ay isang medyo malakas at matibay na materyal. Ang mga manggagawa ng Vologda ay gumagawa ng iba't ibang mga basket, pinggan, accessories, alahas at kahit sapatos at damit.

Ang kakaiba ng mga produktong ito ay ang mga natural na pattern ng halaman, dahon at berry, bulaklak at tangkay, hayop at tao ay magkakaugnay sa tradisyonal na pattern. Ang mga tradisyonal na pattern ng Shemogodskaya slotted birch bark ay nakaukit sa birch bark sheet na may mapurol na awl at pinutol gamit ang isang matalim na kutsilyo, inaalis ang background. Minsan ang kulay na papel o isa pang layer ng birch bark ay inilalagay sa ilalim ng openwork; ang pag-ukit ay kinukumpleto ng embossing. Noong ika-19 na siglo, ang mga produktong ito ay tinawag na " puntas ng bark ng birch».

Noong panahon ng Sobyet, ang mga produktong gawa sa Shemogodskaya slotted birch bark ay itinuturing na simbolo ng kagubatan ng Russia at hinihiling sa mga dayuhan. Kasabay nito, ang isang pagawaan ng pag-ukit ng birch bark ay inayos sa halaman ng Shemogodsky furniture (rehiyon ng Vologda). At sa mga araw na ito, hindi isang solong Russian fair ang kumpleto nang walang mga pagkaing bark ng birch.

Ang Russian craft na ito ay nagmula sa mga propesyonal na Nizhny Novgorod woodcarvers. Ang mga manggagawa ay gumagamit ng tubular bone mula sa mga baka bilang pangunahing hilaw na materyal - " shank"at isang sungay. Gayundin, ang mas bihira at mas mahalagang mga uri ng mammoth at walrus bones ay ginagamit upang gumawa ng mga mamahaling uri ng produkto.

Ang pag-ukit ng buto ng Varnavin ay pangunahing ginagamit sa paggawa ng mga alahas ng kababaihan (mga hairpins, combs, hairpins, combs, brooches, pendants, beads, necklaces, pendants, bracelets, hikaw, singsing, singsing), caskets, caskets, fountain pens, decorative dishes at iba pang mga souvenir.

Ang kakaiba ng naturang mga produkto ay ang kanilang ganap na natatangi at sariling katangian. Ang bawat item ay ginawa sa pamamagitan ng kamay, nang walang anumang mga pattern o mga selyo.

Ang pag-ukit ng Abramtsevo-Kudrinskaya ay isang artistikong craft ng wood carving na nabuo sa pagtatapos ng ika-19 na siglo sa paligid ng Abramtsevo estate malapit sa Moscow.

Ang pamamaraan na ito ay ginamit upang gumawa ng mga ladle, pinggan, plorera at mga kahon, pati na rin ang anumang palamuti sa bahay at mga gamit sa bahay. Ang kakaiba ng mga produktong ito ay ang pamamayani ng iba't ibang mga kulot, rosettes, twigs, tinting at polishing ng kahoy.

Ang kasagsagan ng palaisdaan na ito ay naganap sa panahon ng Sobyet - 20-40s. Ang mga manggagawa mula sa Kudrin artel na "Vozrozhdenie" ay nakatanggap din ng mga order mula sa Tretyakov Gallery. Ang mga makasaysayang at modernong mga produkto na ginawa sa estilo ng pag-ukit ng Abramtsevo-Kudrin ay ipinakita sa internasyonal na eksibisyon sa Paris noong 1937. Matapos ang pagbagsak ng USSR, sarado ang pabrika ng pag-ukit ng Kudrin. Ngayon ang palaisdaan ay napanatili salamat sa gawain ng mga pribadong manggagawa.

Ang kasaysayan ng Gusev crystal ay nagsimula noong 1756, nang ang Oryol merchant Akim Maltsov itinatag ang unang pagawaan ng salamin sa pampang ng Gus River sa siksik na kagubatan ng Meshchera.

Ang mga unang pagbanggit ng Gussky volost ay nagsimula noong ika-17 siglo. Nang ipataw ang pagbabawal sa pagtatayo ng mga pabrika ng salamin sa rehiyon ng Moscow dahil sa labis na deforestation, ang unang pabrika ng kristal ay itinayo sa nayon ng Gus sa ilog ng parehong pangalan, ang mga manggagawa na espesyal na dinala mula sa Mozhaisk. Kaya nagsimula ang kasaysayan ng hindi lamang produksyon, ngunit isang buong katutubong bapor na patuloy na yumayabong hanggang sa araw na ito.

Ngayon ang planta ay pangunahing sikat para sa kanyang art glass. Ang mga artista ni Gusev, na isinasaalang-alang ang mga katangian ng materyal, ay nagbibigay ito ng mataas na artistikong pagpapahayag, mahusay na gumagamit ng kulay, hugis, at dekorasyon.

Piligree

Ang filigree (o filigree) ay isang gawa sa alahas na gumagamit ng openwork o soldered pattern ng manipis na ginto, pilak, atbp. sa isang metal na background. alambre. Ang mga elemento ng pattern ng filigree ay maaaring magkakaiba: lubid, puntas, paghabi, herringbone, track, satin stitch. Ang mga indibidwal na elemento ng filigree ay pinagsama sa isang solong kabuuan sa pamamagitan ng paghihinang. Ang filigree ay kadalasang pinagsama sa mga butil - maliliit na bolang metal na ibinebenta sa mga pre-prepared na mga cell (recesses). Ang butil ay lumilikha ng isang kamangha-manghang texture at paglalaro ng liwanag at lilim, salamat sa kung saan ang mga produkto ay nakakuha ng isang partikular na eleganteng, sopistikadong hitsura. Ang mga materyales para sa mga produktong filigree ay mga haluang metal na ginto, pilak at platinum, pati na rin ang tanso, tanso, cupronickel, at nickel silver. Ang mga alahas na ginawa gamit ang pamamaraan ng filigree ay na-oxidized at pinilak. Ang filigree ay madalas na pinagsama sa enamel (kabilang ang enamel), ukit, at embossing.

Ang mga bagay na filigree ay ginawa sa royal o monastic workshops. Noong ika-18 siglo, ginawa ang malalaking bagay na filigree; kasama ang mga bato, kristal at ina-ng-perlas ay malawakang ginagamit. Kasabay nito, ang maliliit na bagay na pilak ay naging laganap: mga plorera, salt shaker, at mga kahon. Mula noong ika-19 na siglo, ang mga produktong filigree ay nagawa na ng mga pabrika sa napakaraming dami. Kabilang dito ang mga mamahaling pinggan, mga kagamitan sa simbahan at marami pang iba.

Ang mga sentro ng gawain ng scanner ngayon ay:

• Ang nayon ng Kazakovo, distrito ng Vachsky, rehiyon ng Nizhny Novgorod, kung saan matatagpuan ang kumpanya ng mga produkto ng artistikong, na gumagawa ng mga natatanging produkto ng alahas gamit ang sinaunang pamamaraan ng pagproseso ng masining na metal - filigree.
• Ang nayon ng Krasnoe-on-Volga, Kostroma Region, ay tahanan ng Krasnoselskoye School of Artistic Metalworking, ang pangunahing gawain kung saan ay upang mapanatili ang tradisyonal na Krasnoselskoye jewelry craft - filigree, enamel, embossing at iba pa.
• Ang lungsod ng Pavlovo, rehiyon ng Nizhny Novgorod, kung saan matatagpuan ang teknikal na paaralan ng Russian folk arts at crafts.

enamel

Ang enamel ay ang paggawa ng mga gawa ng sining gamit ang malasalamin na pulbos at enamel sa isang metal na backing. Ang glass coating ay matibay at hindi kumukupas sa paglipas ng panahon; ang mga produktong enamel ay partikular na maliwanag at dalisay ang kulay. Nakukuha ng enamel ang nais na kulay pagkatapos ng pagpapaputok sa tulong ng mga additives na gumagamit ng mga metal na asing-gamot. Halimbawa, ang pagdaragdag ng ginto ay nagbibigay sa salamin ng isang kulay ruby, ang kobalt ay nagbibigay ito ng isang asul na kulay, at ang tanso ay nagbibigay ito ng isang berdeng kulay.

Vologda (Usolskaya) enamel - tradisyonal na pagpipinta sa puting enamel. Nagmula ang palaisdaan noong ika-17 siglo sa Solvychegodsk. Nang maglaon ay nagsimula silang makisali sa katulad na enamel sa Vologda. Sa una, ang pangunahing motif ay mga komposisyon ng halaman na ipininta sa isang base ng tanso: mga pattern ng bulaklak, ibon, hayop, kabilang ang mga mitolohiko. Gayunpaman, sa simula ng ika-18 siglo, naging popular ang single-color enamel (puti, asul at berde). Noong 1970s lamang ng ika-20 siglo nagsimula ang muling pagkabuhay ng "Usolskaya" multicolor enamel ng mga artista ng Vologda. Patuloy ang produksyon ngayon.

Mayroon ding Rostov enamel - isang Russian folk art craft na umiral mula noong ika-18 siglo sa lungsod ng Rostov the Great, rehiyon ng Yaroslavl. Ang mga maliliit na larawan ay ginawa sa enamel na may mga transparent na pintura na hindi masusunog, na naimbento noong 1632 ng French jeweler na si Jean Toutin.

Mga produkto ng Malachite

Ang Malachite ay isang berdeng mineral na may mayayamang kulay na madaling maproseso. Ang bato ay maaaring mula sa mapusyaw na berde hanggang itim-berde, at ang unang bapor ay nagsimula noong higit sa 10 libong taon. Ang mga siksik na uri ng malachite na may magandang kulay at magagandang pattern ay lubos na pinahahalagahan; mula noong katapusan ng ika-18 siglo ay ginamit ang mga ito para sa pag-cladding ng mga patag na ibabaw. Mula noong simula ng ika-19 na siglo, ang malachite ay ginamit upang lumikha ng mga three-dimensional na gawa - mga plorera, mangkok, pinggan.

Ang Malachite ay naging malawak na kilala sa labas ng Russia salamat sa mga order mula sa World Exhibition sa London noong 1851, na inihanda ni. Salamat sa mga Demidov, mula noong 1830s, nagsimulang gamitin ang malachite bilang isang materyal para sa dekorasyon ng arkitektura: ang unang malachite hall ay nilikha sa pamamagitan ng pagkakasunud-sunod ng P.N. Demidov ng arkitekto na si O. Montferrand sa isang mansyon sa St. Petersburg sa kalye. B. Morskaya, 43. Ang mga marangyang panloob na gawa na may malachite ay isinagawa sa St. Isaac's Cathedral. Ginagamit din ang Malachite sa paggawa ng alahas. Ang pamamaraan ng cladding na may malachite ay tinatawag na " mosaic ng Russia" Ito ay batay sa prinsipyo na ginamit ng mga manggagawang Europeo upang bawasan ang halaga ng mga produktong lapis lazuli noong ika-17 siglo: tinatakpan ng manipis na mga plato ng bato ang ibabaw ng isang bagay na gawa sa metal o murang bato. Lumilikha ito ng ilusyon ng isang monolith na larawang inukit.

Ang mga kwento ng manunulat na Ruso na si Pavel Petrovich Bazhov, na nagsimula sa kanyang karera bilang isang guro sa isang paaralan sa liblib na nayon ng Ural ng Shaidurikha, na tinitirhan ng mga Lumang Mananampalataya, ay nakatuon sa malachite trade. Mula sa kanila ang manunulat ay nagpatibay ng maraming mga kagiliw-giliw na kwento at alamat na may kaugnayan sa buhay sa mga Urals at mga kaugalian ng alamat ng lokal na populasyon.

Anong mga uri ng Russian folk decorative painting ang maaari mong pangalanan?
Halos lahat ay naaalala ang pagpipinta ng Khokhloma. Ito ay maliwanag, maganda at ang mga produktong pininturahan ng Khokhloma ay madalas na matatagpuan.

Mga higanteng pugad na manika na may iba't ibang uri ng pagpipinta

Ngunit hindi lang iyon! Ang aming katutubong kultura ng Russia ay tiyak na napakayaman.
Iminumungkahi kong manood ng serye ng mga palabas sa TV na ginawa ng Country Life TV channel, na ang bawat episode ay nakatuon sa isang partikular na uri ng pagpipinta.

Pagpipinta ng Prikamsk.
Ang mga craftsmen na nagtatrabaho sa kaakit-akit na istilo ng pagpinta sa bahay ng Kama ay naglagay ng mga larawan ng kamangha-manghang mga ibon at hayop, mga halamang namumulaklak at namumunga sa mga pintuan at dingding ng bahay at sa mga kasangkapan. Malinaw nilang nadama at tumpak na ipinahayag sa kanilang mga gawa ang patula at engkanto na pananaw sa mundo ng mga magsasaka ng Perm, na sa mahabang panahon ay nagpapanatili ng mga archaic na tampok sa kanilang pang-araw-araw na buhay.

Pagpipinta ng Pizhemskaya.
Isa sa mga pinakalumang painting ng Russian North. Ang hilagang Pechora River at ang mga tributaries nito na Tsilma, Pizhma at iba pa ay mga lugar kung saan noong ika-19 at unang bahagi ng ika-20 siglo. mayroong isang maliit na sentro para sa graphic na pagpipinta. Ang mga Lumang Mananampalataya na tumakas dito ay nakikibahagi sa muling pagsusulat ng mga sekular at relihiyosong mga libro, na pinalamutian nila ng mga headpiece, mga unang titik, at mga guhit.

Pagpipinta ng Mezen.
Isa sa mga pinaka sinaunang sining ng sining ng Russia. Ang mga pinagmulan nito ay nawala sa malayong mga siglo. Ang pangingisda ay umabot sa tugatog ng katanyagan noong ika-19 na siglo. Ang mga umiikot na gulong at kahon ng Mezen ay malawakang ipinamahagi sa Ilog Pinega at ini-export sa Pechora, Dvina at Onega. Ang stylization ng pagguhit, ang laconicism at expressiveness ng mga kuwadro na gawa, ay nagdadala sa kanila na mas malapit sa mga sinaunang rock painting ng Russian North. Kulang ang Mezen sa karaniwang liwanag ng katutubong Ruso at maraming kulay.

Pagpipinta ng Gorodets.
Folk craft ng rehiyon ng Nizhny Novgorod. Nabuo ito sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo sa mga nayon ng Trans-Volga malapit sa Gorodets.
Ang pagpipinta ng Gorodets ay kakaiba sa istilo nito, kaya medyo mahirap itong lituhin. Hindi kumpleto ang isang produkto ng Gorodets kung walang malalagong garland at bouquets ng mga bulaklak. Ang mga paksa ng mga produkto ng Gorodets ay may isang uri ng kakaibang balangkas, paglalakad ng mga ginoo na may mga kababaihan, mga nakasakay sa mga kabayo, mga eksena ng pag-inom ng tsaa sa mga rich interior.

Ang pagpipinta ng Zhostovo ay isang katutubong craft ng artistikong pagpipinta ng mga metal tray na umiiral sa nayon ng Zhostovo, distrito ng Mytishchi, rehiyon ng Moscow. Ang palaisdaan ay lumitaw sa kalagitnaan ng ika-18 siglo. sa Urals, kung saan matatagpuan ang Demidov metalurgical plants.

Sa mahigit dalawang daang taon ng kasaysayan, ang pagawaan ng shawl ay nakabuo ng isang natatanging Pavlovo Posad na paaralan ng disenyo ng shawl.

Ang Gzhel ay isa sa mga tradisyonal na sentro ng Russia para sa paggawa ng mga keramika.

Naabot na tayo ng mga katutubong sining mula pa noong sinaunang panahon - pagpipinta, pag-ukit, puntas, ngunit mayroon ding mga bagong katutubong sining. Kadalasan ay nagsimula sila sa sining ng sambahayan ng magsasaka.

Pagpipinta ng sining sa Russia

Ang mga produktong gawa sa kahoy at metal, mga laruan at muwebles ng mga bata ay pininturahan sa Rus' mula pa noong una. Malaki ang pagkakaiba ng teknolohiya sa iba't ibang rehiyon ng bansa sa bawat isa. Karagdagang mga detalye tungkol sa mga pinakasikat na uri ng pagpipinta.

Pagpipinta ng Gorodets

Ang pagpipinta ng Gorodets ay nagmula sa rehiyon ng Volga, sa mga nayon ng lalawigan ng Nizhny Novgorod. Sila ay matatagpuan malapit sa isang malaking nayon na tinatawag na Gorodets. May mga perya kung saan ibinebenta ang mga crafts na gawa ng mga manggagawa. Dito nagmula ang pangalan - Gorodets painting.

Pagpipinta ng Polkhov-Maidan

Ang lugar ng kapanganakan ng pagpipinta ng Polkhov-Maidan ay ang timog ng rehiyon ng Nizhny Novgorod. Doon, sa nayon ng Polkhovsky Maidan, ang nayon ng Voznesenskoye at ang nayon ng Krutets, matatagpuan ang sentro ng pagpipinta na ito. Ito ay bumangon isang daang taon lamang ang nakalipas sa batayan ng lumiliko na industriya na binuo sa mga lugar na iyon. Ang mga master ay nagpinta ng mga pugad na manika, mga laruan ng mga bata, mga kabute, mga itlog ng Pasko ng Pagkabuhay, at ginamit lamang ang apat na kulay - berde, asul, dilaw at pula.

Pagpipinta ng Palekh

Ang pagpipinta ng Palekh ay lumitaw kamakailan - sa panahon ng Sobyet, gayunpaman, ang mga ugat ng pagpipinta na ito ay bumalik sa unang panahon. Salamat sa natatanging bapor na ito, ang nayon ng Palekh, rehiyon ng Ivanovo, ay naging kilala sa buong Russia. Ito ay kilala tungkol sa Palekh painting, Palekh miniatures, Palekh icon painting. Ang kakaiba ng pagpipinta ay ang mga artista ay lumikha hindi lamang ng mga burloloy, ngunit gumuhit ng buong mga eksena at komposisyon na may pinakamaliit na detalye.

Pagpipinta ni Zhostovo

Ang pagpipinta ng Zhostovo ay pagpipinta ng lacquer sa mga tray, na lumitaw sa isang libo walong daan at dalawampu't lima. Ang ganitong mga tray ay ginawa sa isang pabrika sa nayon ng Zhostovo at sa lungsod ng Nizhny Tagil. Ang pangunahing pagkakaiba ng craft na ito ay ang kasaganaan ng mga kulay, walang kapantay na mga tono, at ang pagiging totoo ng lahat ng mga elemento.

Gzhel

Ang pagpipinta ng Gzhel, gaya ng ipinahihiwatig ng pangalan, ay nagmula sa lungsod ng Gzhel. Ang kanyang mga pattern ay nakararami sa mga floral pattern at simpleng geometric pattern, na ginawa sa cobalt bright blue na pintura sa isang snow-white na background. Ang lungsod ng Gzhel ay isang sentro para sa paggawa ng mga keramika. Sa maraming paraan, ito ang naging dahilan ng paglitaw ng kakaibang pagpipinta nito sa lungsod na ito. Ang Gzhel artistic craft ay hindi bata; ang mga ugat nito ay bumalik sa ikalabing-apat na siglo. Noon natuklasan ang Kudinovskoye clay deposit.

Russian crafts na naging trades

Minsan ang mga likhang Ruso ay naging mga kalakalan. Sila ay bumangon nang ang mga produktong gawa ng katutubong ay inilagay sa batis. Alam namin ang tungkol sa paggawa ng mga laruan mula sa luwad, tungkol sa mga espesyal na inukit na kahoy, tungkol sa pagkakayari ng puntas, at iba pa.

Dymkovo na laruan

Malapit sa lungsod ng Vyatka mayroong isang pamayanan na tinatawag na Dymkovo, ngayon ito ay isa sa mga distrito ng lungsod. Sa pag-areglo ng Dymkovo noong ikalabinsiyam na siglo, lumitaw ang mga pininturahan na ceramic na mga laruan para sa mga bata. Ang mga deposito ng luwad at buhangin sa mga lugar na iyon ang naging dahilan ng paggawa ng mga banga at banga ng luwad ng mga manggagawa. Ang mga maliliwanag at masasayang laruan ay ginawa para sa libangan ng mga bata. Mga babae o bata lang ang kasama sa pagmomodelo at pagpipinta ng mga laruan. Ang pattern sa laruang Dymkovo ay palaging geometriko, na binubuo ng mga bilog, guhitan, at mga cell. Bukod sa kakaibang pagpipinta nito, namumukod-tangi ang laruan dahil nilagyan ito ng ginto.

Laruan ng Filimonovskaya

Ang paggawa ng mga laruan ng Filimonovo ay lumitaw batay sa paggawa ng mga lutong luwad na matatagpuan malapit sa nayon ng Filimonovo. Ang mga laruang ito ay iba't ibang mga sipol. Ang isang natatanging tampok ay ang pinahabang hugis ng mga produkto, na dahil sa mga katangian ng lokal na luad. Hanggang ngayon, ang mga sipol ay pininturahan lamang ng isang quill pen.

Pag-ukit ng Abramtsevo-Kudrinskaya

Ang pag-ukit, na naging isang bapor, ay lumitaw sa Abramtsevo estate, malapit sa Moscow noong ikalabinsiyam na siglo. Ang pangalan nito ay Abramtsevo-Kudrinskaya ukit. Ang mga tagapag-ukit ay nag-aral at nagtrabaho sa pagawaan ng karpintero, kung saan tinuruan din sila ng pagpipinta at pagguhit. Kaya, ang isang maliit na pagawaan ay naging batayan para sa isang hinaharap na bapor, na nakikilala sa pamamagitan ng natatanging istilo ng pag-ukit nito.

Vyatka lace

Ang Vyatka lace ay kilala mula noong ikalabing walong siglo. Sa ikalawang kalahati ng ikalabinsiyam na siglo, isang zemstvo na paaralan ng mga lacemaker ay inayos sa lalawigan ng Vyatka. Sa loob ng maraming taon mayroong isang pabrika ng puntas sa mga lugar na iyon, ngunit ito ay sarado noong unang bahagi ng nineties. Ang mga lacemaker ay napanatili ang kanilang mga natatanging kasanayan, tradisyon at teknolohiya sa paggawa. Natutuwa sila sa mga bagong produkto, na nagkakaisa sa mga artel o maliliit na negosyo.

Bagong katutubong sining

Hindi lahat ng katutubong sining ay may mayaman na kasaysayan. Ang ilan ay lumitaw kamakailan lamang. Anong uri ng mga crafts ito, malalaman natin mamaya.

Pagpinta ng mga dekorasyon ng Christmas tree

Ang pagpipinta ng Christmas tree bilang isang craft ay nagmula noong ikalabinsiyam na siglo sa nayon ng Danilovo. Doon din ginawa ang mga laruan. Ginawa ito ng mga magsasaka sa bahay, gamit ang mga simpleng burner para sa pamumulaklak. Ang pangangailangan para sa gayong mga laruan ay tumaas, at ang bilang ng mga solong manggagawa ay tumaas din. Di-nagtagal, nag-organisa ang ilang may-ari ng bahay ng maliliit na produksyon na may mga upahang manggagawa.

Pabrika na "Ariel"

Ang pinakalumang pabrika sa Russia na gumagawa ng mga laruan ng Bagong Taon ay ang pabrika ng Ariel. Ito ay matatagpuan sa Nizhny Novgorod. Sa kabila ng pagbabago ng fashion sa paglipas ng mga taon, hindi binabago ng pabrika ang tradisyon ng paggawa ng mga laruan na gawa sa kamay. Sa tabi ng pabrika ay may museo ng mga dekorasyon ng Christmas tree at isang tindahan.

Ang pinakakilalang katutubong bapor sa Russia

Marahil ang pinakakilalang Russian folk craft ay Khokhloma gold painting. Nagmula ito sa pagtatapos ng ikalabinpitong siglo sa rehiyon ng Nizhny Novgorod, nang sa mga fairs sa nayon ng Khokhloma ay nagbebenta sila ng mga produktong gawa sa kahoy na pininturahan ng mga lokal mula sa mga nakapalibot na nayon.

Ang lahat ng mga item ay elegante at makulay. Ang isang natatanging katangian ng pagpipinta ay ang pagkakaroon ng gintong background o gintong palamuti. Habang nagpinta, mabilis na gumagawa ang mga masters ng kanilang mga guhit; ito ay palaging isang improvisasyon kapag sinusunod ang mga patakaran ng pagpipinta ng Khokhloma. Ginagawa ng master ang isang simpleng bagay na gawa sa kahoy sa isang gawa ng katutubong sining. Ginagamit pa rin ng mga maybahay ang gayong mga kagamitan. Ipinakita rin ito sa mga museo. Mayroong isang website tungkol sa pinakamalaking museo sa mundo.
Mag-subscribe sa aming channel sa Yandex.Zen

Abril 30, 2014

Ang masining na pagpipinta bilang isang uri ng pandekorasyon at inilapat na sining ay nagpapatuloy sa mga tradisyon ng katutubong sining. Ito ay hindi lamang isang tiyak na visual na serye, ang kakanyahan nito ay mas malaki, dahil tila lumutang ito sa labas ng oras, na pinagsasama ang gawain ng dose-dosenang mga henerasyon ng mga masters. Ito ay organikong konektado sa Inang-bayan - sa lugar ng pinagmulan nito sa komunidad ng mga magsasaka (mga baka, magsasaka, mangangaso).

Pananaw ng mga kritiko ng sining sa masining na pagpipinta

Ang artistikong pagpipinta ay inilalapat sa mga produktong gawa mula sa madaling makuhang tradisyonal na natural na "demokratikong" materyales: natural na tela, kahoy, luwad, katad, bato, buto.

Hanggang sa ika-17 siglo, ang mga usbong nito ay umiral sa loob ng mga indibidwal na sakahan ng mga magsasaka. Ang mga kasanayan ay ipinasa ng mga master sa linya ng pamilya, mula sa henerasyon hanggang sa henerasyon. Ang mga partikular na artistikong pamamaraan ay hinasa upang payagan ang pinakamainam na pagtatanghal ng mga produkto. Ang pinaka-nagpapahayag at makabuluhang mga paraan ng paglalapat ng dekorasyon ay pinili. Ang pagpipinta sa arkitektura ay pinalamutian ang kisame, mga dingding, mga vault, mga beam at mga haligi, at sa pang-araw-araw na buhay - mga pinggan at mga bagay ng paggawa.

Sa panahon mula ika-17 hanggang ika-18 siglo, ang artistikong pagpipinta sa Russia ay nabago na sa isang bapor na lumikha ng mga kalakal para sa merkado. Hindi mga indibidwal na master ang nagsisimulang makisali dito, kundi mga indibidwal na lokalidad at nayon. Noong ika-19 na siglo, isang artel na organisasyon ng sining ng pagpipinta ang naganap. Halimbawa, ang mga masters ng Fedoskino miniatures ay inayos ang kanilang sarili sa ganitong paraan pagkatapos ng pagkasira ng mga pribadong may-ari noong 1903 at napanatili ang kanilang sining. Noong 1876, sinimulan ni Propesor A.A. Isaev ang pag-systematize ng iba't ibang uri ng pagpipinta. sa dalawang-volume na monograp na "Mga Apoy ng Lalawigan ng Moscow".

Noong 20-30s ng kapangyarihan ng Sobyet, ang diin ay inilagay sa paglikha ng mga cooperative fishing artels sa mga lugar kung saan ang mga sentro ng katutubong sining ay nabuo sa kasaysayan, na bumubuo ng mga orihinal na uri ng pagpipinta. Halimbawa, ang pagpipinta ng Khokhloma sa rehiyon ng Nizhny Novgorod.

Ang diskarte para sa pagbuo ng pagpipinta, tulad ng iba pang mga uri ng pandekorasyon at inilapat na sining, ay na-konsepto at binalangkas ng siyentipiko at guro na si Vasily Sergeevich Voronov sa monograp na "On Peasant Art."

Sa kasalukuyan, ang mga kumpanya ng artistikong pagpipinta ay aktibong bumubuo ng mga uri ng pagpipinta upang matugunan ang pangangailangan kapwa sa merkado ng Russia at sa ibang bansa. Ang mga pininturahan na produkto, habang pinapanatili ang kanilang pang-araw-araw na paggana, ay lalong nakakakuha ng mga tampok ng aesthetic at artistikong halaga. Para sa kanilang produksyon, ang mga modernong makina at mga espesyal na kagamitan ay ginagamit para sa roughing at paghahanda sa trabaho. Ang pangunahing gawaing malikhain, tulad ng ilang siglo na ang nakalilipas, ay ginagawa nang manu-mano ng mga master artist.

Pagpinta bilang sining

Imposibleng hindi tandaan na ang pambansang pagpipinta ay nagbabago sa mismong imahe ng produkto. Ito ay nagiging mas nagpapahayag sa antas ng scheme ng kulay, ritmo ng mga linya at proporsyonalidad. Ang mga produktong "de-souled" sa industriya ay nagiging mainit at buhay sa pamamagitan ng pagsisikap ng mga artista. Ang huli ay nakakamit sa pamamagitan ng paglalapat ng mga burloloy at elemento ng pinong sining (graphics at pagpipinta). Ang iba't ibang uri ng pagpipinta ay lumikha ng isang espesyal na positibong emosyonal na background, na naaayon sa lokalidad ng industriya ng pangingisda.

Sa pormal na pagsasalita, ang artistikong pagpipinta ay ginagawa sa pamamagitan ng paglalagay ng mga pintura sa isang partikular na ibabaw na may brush. Ang isang mahalagang punto ay dapat tandaan: hindi tulad ng pagpipinta, na nagmomodelo ng isang mahalagang espasyo, ang pagpipinta ay palaging pira-piraso.

Ang mga espesyalista sa disenyo ay madalas na nag-uusap tungkol sa hindi pangkaraniwang bagay ng pagpipinta ng Russia: ito ay unibersal na umaayon sa halos anumang istilo: minimalism, moderno, bansa. Ang mga diskarte na nilikha ng mga sinaunang masters ay hinasa ng maraming henerasyon ng mga craftsmen sa ilang mga lugar, na lumilikha ng isang espesyal na stylistic expressiveness. Sa kabutihang palad, sa Russia noong ika-21 siglo, ang iba't ibang uri ng pagpipinta ay napanatili at umuunlad: Gzhel, Khokhloma, Boretskaya, Gorodets, Mezenskaya, Onega, Permogorskaya, Pizhemskaya, Polkhovsko-Paidanskaya, Puchuzhskaya, Rakulskaya. Isaalang-alang natin ang mga tampok ng mga orihinal na estilo na ito.

Ang paglitaw ng Khokhloma

Ang kakayahang magpinta ng kahoy sa ginintuang kulay nang hindi ginagamit, sa katunayan, ang ginto ay ipinasa sa mga master ng Khokhloma mula sa mga pintor ng schismatic icon, na natuklasan ang kaalamang ito noong ika-12 siglo sa lihim na kagubatan ng rehiyon ng Volga. Sa pamamagitan ng paraan, pamilyar sila sa mga likhang sining na nagbibigay ng pagpipinta: pagliko at sining ng sinaunang palamuti. Marahil ay pamilyar din sila sa mga sinaunang uri ng pagpipinta,

Ang Khokhloma, isang malaking nayon ng kalakalan sa rehiyon ng Nizhny Novgorod ng rehiyon ng Volga, ay umakit ng mga bihasang manggagawa na parang magnet.

Ito, sa mga modernong termino, ang regional fair para sa isang pangkat ng mga nayon sa tabi ng mga pampang ng Uzola River ay nagtrabaho hindi lamang para sa domestic market ng Russia. Ang mayayamang mangangalakal ay bumili ng maraming dami ng mga sikat na kalakal dito at dinala ang mga ito para i-export. Kaya, ang merkado ng Khokhloma ay "nasa ilalim ng radar" ng parehong mga domestic at dayuhang merkado, na nangangahulugan na ang kumpetisyon sa kalidad ay nanaig sa kumpetisyon sa presyo. Ang isang tunay na insentibo ay nilikha: ang kakayahan ng isang bihasang tao ay nagdala sa kanya ng nasasalat na kayamanan.

Ayon sa pananaliksik ng mga espesyalista, sa panahon mula ika-12 hanggang ika-17 siglo, ang estilo ng Khokhloma ay umunlad, kung saan isinama ang mga sinaunang uri ng pagpipinta ng kahoy na Nizhny Novgorod.

Sa panahon mula ika-17 hanggang ika-18 siglo, ang istilong Khokhloma ay higit na nahuhubog. Sa ating panahon, ang foci nito ay:

Pabrika na "Khokhloma Artist", na gumagamit ng mga manggagawa mula sa mga nayon ng distrito ng Koverninsky (Semino at iba pa). Ang kanilang mga pintura ay pinangungunahan ng mga ligaw na bulaklak at ligaw na berry;

Association "Khokhloma Painting", Semenov. Ang mga masters of association ay tradisyonal na bumuo ng tema ng mga kamangha-manghang bulaklak.

teknolohiya ng Khokhloma

Ang kakayahang kumbento ng "pinong brush" ay natagpuang aplikasyon sa pinakamayamang disenyo ng bulaklak. Malaki ang papel ng kalidad ng mga produkto. Ipinapalagay ng sining ng Khokhloma ang pagsunod ng mga masters sa isang tiyak na teknolohiya. Katangian na hindi pa rin nagbabago hanggang ngayon. Ilista natin ang mga yugto nito sa pagkakasunud-sunod:

Pag-ikot ng isang piraso ng kahoy na pinggan ("linen") sa isang lathe;

Pag-priming ng mga workpiece na may likidong solusyon ng espesyal na inihanda na luad ("shaft"). Sa panahong ito, ang mga artipisyal na panimulang aklat ay ginagamit para sa layuning ito;

Tinning gamit ang lata o pilak. Sa ngayon ay gumagamit sila ng aluminyo para dito;

Masining na pagpipinta sa kahoy at pagpapatuyo ng produkto sa isang oven;

Varnishing at mainit na pagpapatayo.

Tinutukoy ng intensive heat treatment ng mga produkto ang scheme ng kulay na ginustong ng mga sinaunang pintor ng Russia: isang kumbinasyon ng ginto at pulang cinnabar na may itim. Yung. ang temperatura ng mga kalan ng Khokhloma ay hindi nakakaapekto sa ningning at kaibahan ng naturang mga pintura.

Mga paraan ng pagpipinta ng Khokhloma

Ang mga sinaunang uri ng pagpipinta ng kahoy, na sumasama sa Khokhloma, ay nagpasiya ng dalawang sistema nito: "background" at "bundok" na pagsulat. Ang pangalan ng system mismo ay naglalaman ng isang paraan para sa paglalapat ng mga pangunahing balangkas ng silweta.

Ang "itaas" na sistema ay nagsasangkot ng paglalapat ng isang may kulay na balangkas ng silweta nang direkta sa isang ginintuang background. Ang background ay bumubuo ng isang ginintuang "outline" nang direkta mula sa background, sa pamamagitan ng "sketching" sa espasyo na nakapalibot sa "golden curl" na may itim at pulang kulay ng master.

Ang bawat isa sa mga sistema ay gumagamit ng parehong mga uri ng pagpipinta ng Khokhloma. Mayroon lamang apat sa kanila: "kulot", "sa ilalim ng berry" (o "sa ilalim ng dahon"); "sa ilalim ng tinapay mula sa luya"; "sa ilalim ng background."

Ang "Kudrina" ay nagmumungkahi ng isang pattern ng "damo" na pininturahan ng isang napakanipis na brush. Ito ay medyo kahawig ng sedge, gayunpaman, kulutin na may masalimuot na magkatugma na mga dynamic na singsing. Ayon sa mga eksperto, ito ang pinaka sinaunang palamuti.

"Sa ilalim ng berry" - pininturahan ng mas makapal na brush. Bilang karagdagan sa "herbal base", lumilitaw na ang mga dahon at berry dito. Ang anyo ng halaman ay inilarawan sa pangkinaugalian at pinagsama. Sa parehong "stem" maaari mong makita ang parehong chamomile at strawberry dahon.

Ang pagpipinta ng "Gingerbread" ay nagsasangkot ng paglalaro ng isang tiyak na geometric na hugis (kadalasan ay isang rhombus). Ang pigura ay pinasigla ng "bushes" sa mga gilid at pinaliliwanagan ng araw sa gitna.

Gamit ang pamamaraang "sa ilalim ng background", ang isang balangkas ng halaman ay sunud-sunod na iginuhit, pagkatapos nito ay pininturahan ang natitirang libreng background, karamihan ay itim.

Salamat sa pagiging natatangi ng bawat master's brush, ang Khokhloma ay natatangi at walang katulad. Ang mga uri ng pagpipinta na aming tinalakay sa itaas ay kahalili dito, na nakalulugod sa mata na may pagkakatugma ng ginintuang, pula at itim na mga kulay.

Gzhel. Paghahanap ng luad para sa porselana

Si Gzhel bilang isang sining ng artistikong pagpipinta ay ipinanganak sa teritoryo ng modernong distrito ng Ramensky ng rehiyon ng Moscow. Noong unang panahon, ang mga lugar na ito ay tinawag na Gzhel volost, at ang mga nayon ng Bokhteevo, Volodino, Gzhel, Kuzyaevo, Novokharitonovo, at Turygino ay matatagpuan sa lugar na ito.

Hanggang sa ika-17 siglo, ang mga lokal na magsasaka ay gumawa ng medyo primitive na glazed na palayok mula sa luad. Ang sitwasyon ay nagbago salamat sa pang-industriya na pag-unlad ng mga lokal na clay na angkop para sa produksyon ng porselana. Ang panimulang punto ay ang utos ni Tsar Alexei Mikhailovich upang matuklasan ang "mga clay na angkop" para sa paggawa ng mga sisidlan ng apothecary - noong 1663.

Ang eksperimento ay isang tagumpay; noong 1710, ang order ng parmasya ay nagsimulang gumamit ng mga lokal na hilaw na materyales. Pinuri ng mga parmasyutiko ang kalidad ng mga luwad, at dumating ang sandali nang ang mga industriyalista ay naging interesado sa kanila. Interesado sila sa mga hilaw na materyales na angkop para sa paggawa ng porselana. Sa pamamagitan ng utos ng tsar, isang komisyon ang nilikha noong 1844, na kinabibilangan ng may-ari ng isang pabrika ng porselana sa Moscow, Afanasy Grebenshchikov, at ang inhinyero ng pabrika ng Porcelinovo na si Dmitry Ivanovich Vinogradov, na nakatanggap ng edukasyon sa engineering ng pagmimina sa Unibersidad ng Marburg. . Limang taon kaming naghanap ng tamang luwad. Noong 1849, pagkatapos ng walong buwan ng pagsasaliksik, ang mga clay ay nakuha mula sa kung saan ginawa ang first-class na porselana. M.V. Lomonosov mismo, isang kapwa mag-aaral ng Vinogradov, ay nagsalita nang mataas tungkol sa kanilang kalidad.

Gzhel. Pag-unlad ng produksyon

Ang industriyalistang si Grebenshchikov ay nagsimulang gumamit ng mga natagpuang hilaw na materyales sa kanyang planta sa Moscow. Gayunpaman, ang mga matatalinong tao mula sa nayon ng Gzhel at sa mga nayon na nakapaligid dito, sa pamamagitan ng paraan, tulad ng nabanggit namin, ay mayroon nang mga kasanayan sa palayok, natanto din ang mga benepisyo ng paggamit ng mas mataas na kalidad na mga luad.

Naging mabilis ang mga bagay, dahil ang mga mahusay na consultant ay nanirahan sa mga nayon - mga manggagawa sa produksyon mula sa planta ng A. Grebenshchikov. Sa panahon mula 1750 hanggang 1820, gumawa ang mga artisan ng majolica - mga pahaba na pitsel, plato, tabo, at pinggan. Ang pandekorasyon na pagpipinta ay ginawa gamit ang berde, dilaw, asul at pinturang talong sa puting background. Kasama sa larawan ang isang ibon sa gitna, at sa paligid nito ay mga puno, palumpong, at mga bahay. (ibig sabihin, ipinakita ang mga primitive na uri ng pagpipinta ng tableware). In demand ang mga pinggan. Ang kumpetisyon sa kalidad ay lumitaw. Ang mga pinuno ay dating mga pabrika ng palayok, na gumagawa ng mataas na kalidad na semi-faience na kapareho ng mga "banyagang" mga pagkaing.

Ang kasanayan ay nahasa sa loob ng 80 taon, at mula noong 1820, halos lahat ng mga manggagawa ng Gzhel ay gumagawa ng semi-faience. Ito ang kasagsagan ng Gzhel art. Ang mga produkto ng mga master ay makikita rin sa Ermita. Ang pinggan na ito ay nagsimulang ituring na pinakamahusay at pinaka-eleganteng sa Russia. Napuno ang mga bahay ng mga mangangalakal at maharlika, at mga taberna ng mga teapot, mangkok, at plato na pininturahan ng katangian ng Gzhel. Ang mga uri ng pagpipinta ay pinagbubuti. Ang Gzhel ay binili sa buong bansa, mula Arkhangelsk hanggang Astrakhan, at ini-export sa Gitnang Asya at Gitnang Silangan. Ang mga produkto ay ginawa ng humigit-kumulang tatlumpung pabrika. Ang mga sumusunod na tagagawa ay nakikibahagi sa paggawa ng Gzhel: Barmins, Guslins, Gusyatnikovs, Kiselevs, Terekhovs, Sazonovs.

Sa kasamaang palad, simula noong 1860, nagsimulang bumaba ang pagpipinta ni Gzhel. Ang katutubong sining, na isinilang ng kompetisyon ng daan-daang maliliit na prodyuser at dose-dosenang mga katamtamang laki, ay pinipiga ng pragmatismo ng malalaking monopolyo. Kabilang sa mga monopolista, si M. S. Kuznetsov ay tumayo, kasama ang kanyang limang pabrika at taunang output na 2.1 milyong rubles. Ang kapasidad ng produksyon ng lahat ng iba pa ay 14% ng Kuznetsov's. Sa katunayan, ang tagagawa na si Kuznetsov ang "nagdurog" ng pagkamalikhain. Ang kumpetisyon ay nawala, ang pagganyak ay nabawasan, ang kalidad ay nabawasan, at ang pagbaba ay pumasok.

Paano ipininta ng mga artista si Gzhel

Ang Gzhel ay natatangi sa bawat master, gamit ang mga klasikal na uri ng artistikong pagpipinta, ay lumilikha ng kanyang sariling indibidwal na pamamaraan.

Ito ay isang banayad na sining. Ang pangunahing papel ay nabibilang sa karanasan ng master, na ipinakita sa paraan ng paggalaw ng brush. Kasabay nito, sa maniyebe na kaputian ng porselana, ang isang maayos na pagbabago ng kulay ay nakuha mula sa matinding asul hanggang sa malabong asul. Ang lahat ng ito ay pininturahan ng isang solong pintura - kobalt. Ang pattern ay inilapat sa ibabaw "sa unang pagkakataon," mabilis.

Bakit mahalaga ang kasanayan ng artista? Sa una, ang mga tunay na kulay ng pagguhit ay hindi nakikita (isang tampok ng kobalt). Ang lahat ng inilalarawan ay tila isang kulay, at kapag ang Gzhel ay pinaputok sa tapahan ay lilitaw ang disenyo nang buo.

Ano ang komposisyon ng Gzhel? Ang pangunahing papel dito ay karaniwang nilalaro ng isang pinalamutian na bulaklak. Sa mga gilid nito ay mayroong isang harmoniously meandering "herbal" plot, enriched na may mga dahon at berries. Nangyayari na ang mga makahayop na eksena o ang mga nauugnay sa pang-araw-araw na buhay (halimbawa, sa bahay) ay hinabi sa pagguhit na ito.

Paano ka talaga makakakuha ng drawing na ganito? Mga uri ng artistikong pagpipinta para sa "pinintahan sa unang pagkakataon" Si Gzhel ay talagang bumaba sa mga paraan ng paglalapat ng stroke. Apat lang sila: isang shaded brush stroke, painting na may isang brush, isang sitchik pattern, pati na rin mga complementary images.

Ang network shaded brushstroke ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang malawak na hanay ng kulay dahil sa iba't ibang intensity ng cobalt application sa pamamagitan ng isang espesyal na pagliko ng brush ng artist.

Ang pagpipinta gamit ang isang brush ay nailalarawan sa pamamagitan ng katotohanan na ang bawat kasunod na stroke ay naiiba sa tono mula sa nauna. Kasabay nito, ang intensity ng mga stroke ay unti-unting bumababa, sila ay "gumaan".

Ang sitchik pattern ay ang thinnest. Ito ay iginuhit gamit lamang ang isang dulo ng brush.

Ang mga uri ng pagpipinta ng mga larawan na ginamit ni Gzhel ay hindi nailalarawan sa pamamagitan ng photographic na pagtitiklop ng mga natural na motif, ngunit muling binibigyang kahulugan at ipinakita sa isang hindi inaasahang pagsasaayos. Ang na-reinterpret na mga asul na dahon at talulot ng mga asul na tulips, aster, carnation, at rosas na inilalarawan ng artist ay sumusunod sa mga contour ng mga ibon o hayop. Kung minsan ay binabalangkas nila ang mga naka-istilong pang-araw-araw na bagay o bagay (halimbawa, mga kubo ng magsasaka).

Ang mga pantulong na larawan ng uri ng "damo" - mga tendrils, spiral, shading elements, iba't ibang mga stroke, geometric fragment - bigyan ang pagkakumpleto ng imahe at lumikha ng mga kinakailangang accent.

Ang paglitaw ng pagpipinta ng Polkhov-Maidan

Ang pagpipinta ng katutubong Ruso ay magkakaiba. Ang mga uri nito sa lahat ng kanilang pagkakaiba-iba, marahil, ay maaaring ilarawan sa isang dalubhasang monograp, ngunit hindi sa isang artikulo. Samakatuwid, ang aming gawain ay mas katamtaman. Pinangalanan na namin ang pinaka "na-promote" na mga uri ng pagpipinta: Khokhloma at Gzhel. Gayunpaman, mayroong iba, lahat sila ay orihinal at medyo marami sa kanila. Pangalanan natin ang ilan: Boretskaya, Gorodetskaya, Mezenskaya, Onezhskaya, Permogorskaya, Pizhemskaya, Polkhovsko-Maidanskaya, Puchuzhskaya, Rakulskaya, atbp. Nang hindi makapag-usap nang detalyado tungkol sa lahat ng mga ito sa artikulong ito, magpapakita kami ng isang paglalarawan ng isa lamang sa kanila - Polkhov-Maidan.

Ang pagpipinta na ito ay nagmula sa simula ng ika-20 siglo sa distrito ng Voznesensky ng rehiyon ng Nizhny Novgorod. Dito sa mga nayon ng Polkhovsky Maidan at sa nayon ng Voznesenskoye sa pagtatapos ng ika-18 siglo nagkaroon ng pagbabagong kalakalan ng mga monghe ng Sarov Monastery. Natutunan din ng mga magsasaka ang crafts of turn, na naging bihasang manggagawa sa paggawa ng mga kagamitang gawa sa kahoy. Ang mga craftsmen ay gumawa din, ayon sa kanilang tawag dito, "tararushki", i.e. mga item para sa kasiyahan: mga whistles, mushroom, nesting doll, Easter egg, mga laruan ng mga bata.

Ang impetus para sa paglikha ng pagpipinta ay ang pagkuha ng isang nasusunog na kagamitan ng magsasaka na si Polin Pavel Nikitich, at mula noong 1926, ang nagising na pagkamalikhain ng mga magsasaka ay humantong sa kanila sa pagpipinta ng mga produkto na may mga pintura ng langis, at mula noong 1933 sila ay pinalitan ng mga aniline na pintura.

Matapos ang pagkamalikhain ng mga residente ng Polkhov ay pinagtibay ng mga residente ng Zagorsk, Merinov, at Semyonov, ang mga bagong uri ng pagpipinta ng mga nesting doll ay nilikha (tatalakayin natin ang paksang ito sa ibang pagkakataon).

Teknolohiya ng estilo ng pagpipinta ng Polkhov-Maidan

Una, ang ibabaw ng produktong gawa sa kahoy ay na-sand at primed na may starch paste. Pagkatapos ang balangkas ng pagguhit ay iginuhit sa tinta, pagkatapos ay tapos na ang pagpipinta. Para dito, ginamit ang mga pintura ng apat na kulay: pula, dilaw, berde at asul. Pagkatapos ay isinagawa ang "pagturo", isang katangian ng artistikong yugto ng estilo ng Polkhov-Maidan, na binubuo ng pagbalangkas ng balangkas ng pagguhit sa itim. Idagdag natin na ang ganitong uri ng pagpipinta ay nagsasangkot ng isang pamamaraan tulad ng pag-overlay ng mga kulay.

Ang ganitong uri ng sining ay gumagamit din ng isang espesyal na pamamaraan ng pagpipinta na walang tabas.

Nabanggit namin ang ganitong uri ng pagpipinta para sa isang dahilan. Umunlad ito sa USSR hanggang sa 90s inclusive. Limang libong tao ang nagtrabaho sa pabrika ng Voznesensk. Sa mga ito, 40% ay mga artista na nagsasagawa ng pagpipinta, ang iba ay mga turners. Nilapitan nila ang trabaho nang malikhain, at mayroong isang malikhaing laboratoryo sa pabrika. Ang mga produkto ay na-export sa USA at mga bansa sa Europa. Sa ngayon, ang mga tradisyong inilatag ng pabrika ay binuo ng mga negosyante.

Kanyang Kamahalan Matryoshka

Ang pagpipinta ng Russia ay hindi palaging umuunlad sa ebolusyon. Minsan lumitaw ang mga pananaw nito nang hindi inaasahan - hindi mula sa "kalaliman ng mga siglo." Ang mga ito ay nabuo sa pamamagitan ng pananaw ng isang malikhaing Russian master. Ganito ang nangyari sa nesting doll. Ito ay hindi isang katutubong imbensyon ng Russia.

Ang matryoshka ay lumitaw sa Rus' noong ika-19 na siglo sa Sergiev Posad. Ang asawa ng artist na si Sergei Vasilyevich Malyutin noong 1898 ay nagdala mula sa Japan ng isang pigurin ng matandang lalaki na si Fukuruma, na naglalaman ng apat pang figure (sa pamamagitan ng paraan, ayon sa alamat ng Hapon, ang unang naturang pigurin ay ginawa ng isang monghe ng Russia). Naisip muli ni Sergei Vasilievich ang kanyang ideya "sa Russian". Isang napakatalino na ideya ang lumitaw - upang mag-modelo ng isang tipikal na pamilyang Ruso. Ang pangalang Matryona ay sikat noon sa Rus'. Bilang karagdagan, tulad ng pinaniniwalaan ni Milyutin, ipinahayag nito ang sinaunang pangalang Romano para sa ina ng pamilya.

Si Sergei Vasilyevich ay gumawa ng isang pagguhit ng isang pigurin na may walong mga kalakip. Ang babae ay sinundan ng kanyang anak na babae na may isang itim na tandang, pagkatapos ng kanyang anak na lalaki, pagkatapos ng isang batang babae muli, ang ikawalong pigura ay isang sanggol. Ang kanilang mga hugis ay inukit mula sa kahoy ni turner V.P. Zvezdochkin. Si Sergei Vasilievich mismo ang nagpinta ng pigura.

Produksyon ng mga pugad na manika. Mga uri ng pagpipinta

Ang katanyagan sa buong mundo ng nesting doll at ang pagkilala nito sa mundo ay nagsimula noong 1900, nang ito ay "lumabas sa mundo" - sa World Exhibition sa Paris.

Maaari bang dumaan ang katutubong sining sa pugad na manika? Noong 1899, ang buong Sergiev Posad ay gumagawa ng mga bagong kaakit-akit na manika: mga batang babae at babae, namumula, sa mga caftan at apron o sa mga scarves at sundresses, na may mga basket, alagang hayop, ibon, bulaklak. Ang estilo ng Zagorsk (tulad ng alam mo, si Sergiev Posad ay pinalitan ng pangalan na Zagorsk) ay nakikilala sa pamamagitan ng kaakit-akit at pansin nito sa maliliit na detalye.

Mula noong 1922, nagsimula ring gawin ang mga matryoshka na manika sa nayon ng Merinov sa rehiyon ng Nizhny Novgorod. Ang lokal na turner na si A.F. Mayorov, na bumili ng isang manika ng Sergievskaya matryoshka, ay naging "kanyang sarili". Ang kanyang anak na babae ay nagpinta ng mga pigura. Mabilis na pinagkadalubhasaan ng mga Merinian ang paggawa ng mga kumplikadong pigurin na ito. Ang Merinovskaya nesting doll ay mariin na maliwanag, bagaman may mas kaunting detalye kaysa sa Zagorsk.

Ang ikatlong "deposito ng mga nesting doll" ay ang nayon ng Polkhovsky Maidan, sikat sa mga turner at pagpipinta nito. Ang Polkhovskaya nesting doll ay may sariling mga tampok na katangian:

Isang mukha na pininturahan nang panandalian, sa maliliit na stroke;

Ang lugar ng mga balangkas ng scarf at ang mga linya ng sundress (palda), mula sa likod 2/3 ng matryoshka ay pininturahan ng iskarlata (pula) o berde. Ang kulay ng scarf ay kaibahan dito. Ang isang spruce rose na bulaklak ay pininturahan sa lugar ng noo ng matryoshka. Ang apron ay minarkahan - mula sa leeg hanggang sa lupa. Ang pagpipinta ng apron ay pinagsama-sama "kasama ng isang hugis-itlog". Sa gitna ay may sanga na may bukas na rosas, mga dahon, at mga berry. Ang komposisyon ay kinumpleto ng mga daisies at forget-me-nots.

Ang pinakamahirap na gawin ay itinuturing na pugad na manika mula sa Vyatka, kung saan ang mga lokal na manggagawa ay naglalagay ng mga dayami.

Konklusyon

Ang artistikong pagpipinta ng Russia bilang isang uri ng pandekorasyon at inilapat na sining ay batay sa isang malalim na katutubong tradisyon, sa kamalayan ng mga tao kung ano ang Inang Bayan, kung ano ang isang pamilya. Ito ay konektado sa siglo-lumang buhay ng ating mga ninuno, kaya ang mga ipininta na produkto ay may singil ng init, sangkatauhan, at isang malikhaing saloobin sa buhay. Talagang pinalamutian nila ang buhay ng isang modernong tao, pinapalitan nila ang "impersonality" at ipinakilala ang mga elemento ng dekorasyon ng living space.

Ang masining na pagpipinta ay nagdaragdag din ng ilang mga punto sa ating buhay, na nagpapaalala sa atin ng pagpapatuloy, ang Inang Bayan, at ang unibersal na tungkulin ng tao ng bawat tao na gawing mas maganda ang buhay sa ating paligid.