raport de practică

Capitolul 1. Pictura pe lemn: istorie, tipuri de pictură, relevanță

Pictura artistică este arta de a decora orice suprafață cu vopsele sau o pensulă. Este unul dintre cele mai vechi tipuri de meșteșuguri populare, care timp de multe secole a făcut parte din viața de zi cu zi și din cultura oamenilor. De asemenea, pictura este și cel mai popular tip de artă decorativă și aplicată.

Istoria picturii pe lemn se întoarce în trecutul îndepărtat.Când oamenii au învățat să facă obiecte și ustensile din lemn, au vrut să-și decoreze cumva viața și să o îmbogățească. Se credea că lucrurile pictate îndepărtează spiritele rele. Vopselele folosite inițial erau materii prime care erau comune în zona lor (lut, cărbune, cretă), astfel că pictura fiecărei regiuni este încă unică și recunoscută.

Pictura pe lemn poate fi împărțită în tradițională și originală. Pictura tradițională dezvoltată în sate. Se caracterizează prin simplitate și concizie. Pictura originală a fost realizată de maeștri din orașe. Aceste lucrări s-au remarcat prin grație și profesionalism. Tehnica picturilor plotului s-a rezumat la faptul că maestrul a aplicat un contur clar al designului pe suprafața produsului și apoi l-a pictat în diferite culori. Vopselele au fost aplicate foarte liber și măturator. Subiectul picturii a fost desemnarea diferitelor simboluri care identificau Soarele ca simbol al bucuriei, Pasărea ca simbol al fericirii și succesului, iar Rața ca semn al apusului.

Pictura pe lemn se caracterizează prin două direcții principale - grafică și pensulă. Mai întâi a fost pictura grafică. Acest tablou se bazează pe un design grafic liniar. Maestrul a desenat un model pe bază de plante sau floral cu o linie subțire folosind un stilou sau un băț. Apoi a umplut figurile cu vopsele multicolore. Acest tip de pictură a fost stăpânit cu pricepere de maeștrii care locuiau pe Dvina de Nord. Și-au pictat compozițiile pe un fundal deschis cu vopsele verzi, galbene și roșii. Dar principalul lucru aici a fost conturul negru, care a conturat întregul model floral - tufișuri și flori cu frunze mari sculptate.

O altă direcție este vopsirea cu pensula gratuită. Acest tablou se bazează pe expresivitatea trazei picturale și a petei de culoare. Maeștrii acestui stil lucrează direct cu o pensulă, modelând cu culoare forme de plante, figuri animale și umane.

Unul dintre aceste centre de pictură este cunoscutul Khokhloma. Acest vechi meșteșug popular rusesc sa născut în secolul al XVII-lea în regiunea Nijni Novgorod. Khokhloma este o pictură decorativă de ustensile și mobilier din lemn, realizată în tonuri de roșu, verde și negru pe un fundal auriu. Procesul tehnologic de creare a produselor Khokhloma păstrează încă principiile de bază găsite în secolele XVII-XVIII. Prima etapă este transformarea ustensilelor albe din lemn - „in” - pe un strung. Aceasta este urmată de amorsare - acoperire cu o soluție de argilă lichidă, urmată de cositorizare cu argint, cositor și, în prezent, aluminiu. Produsul devine neted, strălucitor, gata de vopsit. Vopseaua aplicată se fixează în cuptor. După care produsul este lăcuit și supus uscării la cald, în funcție de compoziția lacului. Produsele finite stralucesc cu o stralucire insorita, devin foarte rezistente si usoare.

Artele populare și decorative au devenit o parte integrantă a culturii artistice. Astăzi, pictura este una dintre tendințele actuale. Valoarea operelor de artă decorativă și aplicată reflectă tradițiile artistice, viziunea asupra lumii, experiența artistică a oamenilor și păstrează memoria istorică. Tăvile Zhostovo și cutiile lăcuite aduc frumusețe în viața noastră. Ceramica Gzhel, farfuriile Gorodets, vasele pictate cu Khokhloma intră din ce în ce mai mult în viața noastră de zi cu zi ca opere de artă, păstrând legătura istorică a vremurilor.

Capitolul 2. Istoria picturii Gorodets

În timpul practicii tehnologice, pictura pe lemn Gorodets a fost stăpânită.

Această pictură provine din roțile care învârtesc Gorodets sculptate, care aveau propria lor particularitate: un pieptene și un fund. Dicționar explicativ al limbii ruse V.I. Dalia explică că cuvântul „de jos” înseamnă „o scândură pe care s-a așezat un filator, înfipând un pieptene în ea”. După ce a terminat lucrarea, a scos pieptene și a atârnat fundul de perete, iar acesta a decorat coliba. Prin urmare, meșterii populari au acordat o atenție deosebită decorarii scândurilor cu sculpturi și picturi. Roata care învârtea a fost un însoțitor fidel de-a lungul vieții țăranei. A servit adesea ca dar: mirele i-a dat miresei, tatăl fiicei, soțul soției. Prin urmare, fundul a fost ales să fie elegant și colorat, spre bucuria și surprinderea tuturor. Roata care se învârtea a fost transmisă din generație în generație, a fost îngrijită și depozitată.

Pentru a decora Donețul Gorodets, meșterii au folosit o tehnică unică - incrustație: figurile au fost tăiate dintr-un alt tip de lemn și introduse într-o adâncitură de forma potrivită. Mai târziu, meșterii au început să folosească nuanțarea pentru bogăția vizuală, o combinație strălucitoare de galben cu stejar închis, adăugarea de culori albastru, verde și roșu a făcut fundul și mai elegant și mai colorat.

Necesitatea creșterii producției de funduri de filare i-a determinat pe meșteri să simplifice tehnica decorativă. Din a doua jumătate a secolului al XIX-lea, tehnica complexă și laborioasă a incrustației a început să fie înlocuită prin simpla sculptură cu nuanță, iar din anii 1870, stilul pitoresc de decorare a predominat pe Gorodetsky Doneț.

O tehnică de pictură mai liberă a făcut posibilă crearea de noi subiecte și a învățat frumusețea unei lovituri de pensulă liberă, permițând cuiva să picteze fără să deseneze mai întâi un contur.

Fiecare maestru avea propriile sale nuanțe de culoare preferate și combinația lor. În același timp, au folosit tehnici generale pentru a crea o schemă de culori competentă. Maeștrii Gorodets au știut să creeze un echilibru de pete colorate pe suprafața unui obiect, realizând unitatea de culoare și completitudinea picturii.

De-a lungul istoriei meșteșugului, artiștii populari au creat un sistem de pictură original, au găsit imagini unice și au dezvoltat un arsenal bogat de tehnici de pictare a detaliilor parcelei și a elementelor ornamentale. Meșterii au pictat și scaune cu rotile și scaune pentru copii. Stilul Gorodets se distinge, in primul rand, prin continutul sau. În tablouri, impresia principală este dată de scenele de gen. Toate aceste imagini sunt de natură convențională, foarte libere și decorative ca formă.

Principalovnye comploturi și tehnici pentru execuția lornia.

În primul rând, maeștrii au descris viața țărănimii, a negustorilor și o magnifică paradă de costume. Un loc semnificativ a fost ocupat de motive florale - „trandafiri” luxurianți, pictați larg și decorativ. Pe lângă motivele realiste de gen, picturile Gorodets conțin și imagini decorative cu păsări și animale. Caracterul decorativ al motivelor este subliniat cu ajutorul culorii și diverselor tehnici. Principalul specific al picturii Gorodets este că maeștrii descriu de obicei subiecte pe un fundal transparent, arătând astfel textura lemnului.

Pictura se face cu pensula, fara desen prealabil, cu traza libera si bogata. Este foarte diversă - de la o linie amplă până la cea mai fină linie și o lovitură de virtuozitate. Imediat înainte de vopsire, piesa de prelucrat a trecut printr-o etapă pregătitoare complexă, care a constat în amorsarea cu cretă și acoperirea cu lipici. Și numai după această lucrare preliminară maestrul a început să picteze. Metoda de vopsire a produsului a fost interesantă - așezarea culorilor primare urmată de dezvoltare liniară. Pictura a fost completată de „renaștere” - tăierea fină a formelor ornamentale cu văruire. În lucrările maeștrilor Gorodets, „reviorări” au fost întotdeauna aplicate siluetelor monocromatice, ceea ce le-a dat un oarecare volum.

Varietate de flori descrise:

Kupavka este cea mai comună floare din ornamentul Gorodets. Subvopseaua sa este mai mare ca dimensiune decât bobocul. Subvopsirea, de ex. mișcare circulară cu pensula, aplicând o singură pată de culoare. De obicei, încep să-l picteze cu un cerc mic de-a lungul marginii sale, apoi fac un parantez în interiorul cercului. Parantezele sunt desenate de-a lungul marginii vopselei de bază, aceeași formă ca suportul din interiorul vopselei, doar că dimensiuni mai mici. Parantezele de-a lungul marginii sale sunt desenate, începând din centru, reducându-le treptat în dimensiune până la miez. Etapa finală a picturii - revitalizarea se face de obicei cu alb.

Rosean - are petale și un centru pronunțat. Siluetă în formă de cerc. Dimensiunea poate fi mai mare decât kupavka. Centrul florii este desenat în mijloc. Trandafirul din pictura orașului este înconjurat de paranteze - petale de aceeași dimensiune, a căror culoare se potrivește cu culoarea mijlocului. Tehnica de vopsire a parantezelor este aceeași ca și pentru kupavka.

Opțiunile de dezvoltare pentru revitalizare sunt atât de diverse încât este dificil să le numim chiar și pe cele mai comune. Artiștii Gorodets folosesc puncte, paranteze, picături și spirale.

O altă floare comună este mușețelul. Tehnica: atingeți ușor suprafața hârtiei cu vârful pensulei, lăsând un semn subțire pe ea. Apoi, fără să ridice privirea de pe hârtie, pensula se aplică rapid și se ridică. Drept urmare, maestrul primește o lovitură ca picătură - subțire la început și lată la sfârșit. Ca un trandafir, are un miez, doar petale de picături sunt desenate în jurul lui.

Frunzele de Gorodets sunt destul de variate ca formă, dimensiune și culoare. Sunt aproape întotdeauna aranjate în grupuri de cinci, trei sau două frunze.

Pasărea Gorodets este un simbol al fericirii familiei. Păsările sunt înfățișate în diferite versiuni: un păun mândru, un cocoș îngâmfat și o pasăre de poveste. Încep să le scrie cu o linie netedă care înfățișează îndoirea gâtului și a pieptului, apoi este trasată o linie care definește forma capului și a spatelui, apoi se determină linia aripii, ciocul și picioarele în formă de fir. Cel mai adesea, corpul este vopsit în negru, aripa este vopsită cu vopsea verde. Coada este scrisă în moduri diferite, de exemplu, este limitată pe ambele părți de linii care îi definesc silueta și pictate peste. Cel mai bine este să faceți acest lucru în stacojiu. Într-un alt caz, fiecare pene de coadă este vopsită în două culori. Dezvoltarea păsărilor începe cu capul și se termină cu coada. Înviorările se fac cu văruire, aplicând mișcări subțiri.

Calul Gorodets este un simbol al bogăției. Este în mare parte de culoare neagră, cu un cap mic pe gâtul arcuit abrupt și o coamă bine pieptănată. Maeștrii îl descriu în mai multe feluri. Unii folosesc linii libere pentru a scrie conturul întregii figuri și abia apoi pictează peste ea. Alții construiesc figura unui cal cu pete de culoare, începând cu cel mai mare element vertical - pieptul și gâtul. Li se adaugă contururile hamului și șeii, spatele și părțile abdominale ale corpului. Avionul limitat de liniile hamului și șei rămâne ușor în această versiune. Cel mai adesea, șaua și hamul sunt realizate în stacojiu, iar detaliile capului și picioarelor cozii sunt realizate cu alb.

Compoziție în pictura Gorodets.

Toate operele de artă sunt create conform legilor compoziției, nerespectarea sau necunoașterea cărora poate duce la o încălcare a armoniei.

Pentru compoziția operelor de artă decorativă și aplicată, principalul lucru este unitatea de conținut și formă. O altă trăsătură, deja specifică, este corespondența formei unei opere de artă decorativă cu scopul său specific.

În mare măsură, natura compoziției este determinată de alternanța uniformă a elementelor de design, ceea ce contribuie la obținerea clarității și expresivității compoziției.

Un model organizat ritmic se transformă cu ușurință într-un ornament - baza compoziției. Dar ornamentul nu este doar repetarea repetată a unor elemente similare ale unui design. Un desen frumos și clar al detaliilor siluetei generale este foarte important.

Pe fundul sculptat păstrat în muzee este prezentată cel mai adesea o compoziție înfățișând doi călăreți în creșterea cailor. Călăreții sunt poziționați pe ambele părți ale unui copac cu flori, din vârful căruia decolează o lebădă. În jumătățile inferioare, maeștrii Donețk au descris de obicei scene de gen ale domnilor care se plimbă cu doamne, scene de vânătoare etc. Până la sfârșitul secolului al XIX-lea. S-a dezvoltat o formă caracteristică de ornament floral cu anumite elemente: acestea sunt muguri, trandafiri și o floare, care se repetă la nesfârșit în diferite versiuni. În centrul planului compozițional, artiștii plasează imaginea principală: o pasăre, un cal, o persoană, un grup de oameni sau un motiv vegetal.

Artiștii populari au pictat fețele într-un fel - sub forma unui cerc alb, pe care trăsăturile lor sunt indicate cu linii negre subțiri. Coafurile atât pentru bărbați, cât și pentru femei se disting printr-o mare rafinament, dar numai negrul este folosit pentru colorare. În reprezentarea figurilor în sine, este utilizată o schemă de culori plată, în care principalele pete mari (fuste, jachete, jachete, pantaloni) sunt pictate fără contur, sub forma unei siluete colorate monocromatice. Florile strălucitoare și frunzele decorative verzi rămân un motiv decorativ preferat în arta maeștrilor Gorodets, care conferă picturii un farmec aparte.

Pictura Veliky Ustyug

În pictura Ustyug există trei tipuri de pictură: cufăr, cutie și ornamente complexe, care se mai numesc și pictura „regală”. Pictura la piept a fost realizată pe cufere de artiști profesioniști. A fost descris mai sus...

Vita de vie - motiv floral decorativ al ornamentului popular

Sculptura este un tip de artă decorativă; o metodă de prelucrare artistică a lemnului, pietrei, osului, teracotei, lacului și a altor materiale prin sculptură. Sculptura este folosită pentru decorarea articolelor de uz casnic, decorarea clădirilor...

Cinema holografic (starea actuală a problemei, recenzie)

Holografia este unul dintre noile domenii ale științei și tehnologiei. A fost descoperită în 1947 de un om de știință englez – profesorul D. Gabor – care a propus o metodă de interferență pentru înregistrarea undelor luminoase...

Vaza decorativa

Când pictați pe suprafețe volumetrice, sferice și cilindrice, poziția corectă a mâinii este considerată a fi o fixare clară a cotului, adică în timpul lucrului nu trebuie să se miște cu greu, iar mâna trebuie să se miște în direcția dorită...

Eșarfe decorative pareo „Vara” folosind tehnica picturii artistice pe țesături

Lemnul în meșteșugurile populare rusești

Sculptura artistică în lemn este unul dintre cele mai vechi și mai răspândite tipuri de prelucrare artistică a lemnului, în care un model este aplicat unui produs folosind un topor, cuțit, tăietori, dalte, dalte și alte unelte similare...

Istoria formării baletului rusesc

Școala Coregrafică Academică din Moscova, una dintre cele mai vechi instituții de învățământ de teatru, ale cărei activități sunt asociate cu formarea și dezvoltarea școlii naționale de balet ruse...

Țesut din răchită și sculptură în lemn ajurata

1.1 Secretele artei țeserii răchitei Arta țeserii răchitei își are rădăcinile în adâncul secolelor. Deja în epoca de piatră, exista o metodă de ardere a produselor de lut: mai întâi, au făcut un recipient de răchită din crenguțe...

Organizarea unui cerc de pictură pe țesături

a) Tehnica batik înnodat Folosind batik înnodat sau pictând folosind tehnica Shibori, puteți crea modele complet unice pe țesătură. Cuvântul „shibori” este de origine japoneză și înseamnă „răsucire”, „rotire”, „apăsare”...

Pictura Petrikovskaia

Pictura Petrikov a apărut cu mult înainte de apariția creștinismului și a jucat rolul unui talisman. Oamenii credeau că frumusețea are un fel de magie, putere spirituală și, prin urmare, ferestrele și ușile caselor și chiar hainele erau încadrate cu ornamente magice...

Dezvoltarea și implementarea unei serii de lucrări în material folosind tehnica hot batik sub deviza „Belgorod este capitala verde”

Artele decorative și aplicate și artele și meșteșugurile populare ocupă un loc aparte în spațiul sociocultural și economic modern. Acesta este singurul domeniu de creativitate...

Picturi din Dvina de Nord. Tradiție și modernitate

Din cele mai vechi timpuri, vesela și alte obiecte de uz casnic din ceramică au fost cunoscute pe scară largă în Rus'. Una dintre cele mai faimoase așezări din Rus', ai cărei locuitori erau angajați în fabricarea de veselă ceramică din porțelan, este Gzhel (acum orașul este situat în districtul Ramensky din regiunea Moscovei). Din secolul al XVII-lea și chiar mai devreme, Gzhel a fost un centru renumit pentru producția de porțelan și ceramică. Produsele meșteșugarilor locali sunt distribuite în toată Rusia. De remarcat că pe vremuri acest oraș a fost unul dintre centrele Vechilor Credincioși-Preoți. Perioada de glorie a lui Gzhel a avut loc în timpul activităților Parteneriatului pentru producția de produse din porțelan și faianță M.S. Kuznetsov" la sfârșitul secolului al XIX-lea - începutul secolului al XX-lea.

Formarea paletei de culori Gzhel, cunoscută nouă, datează de la începutul secolului al XIX-lea. Cercetătorii subliniază că începând cu anii 1820, un număr tot mai mare de produse Gzhel au fost vopsite în alb și vopsite exclusiv cu vopsea albastră. În zilele noastre, pictura albastră este o trăsătură caracteristică a produselor Gzhel. Popularitatea unor astfel de feluri de mâncare s-a dovedit a fi atât de mare încât produse similare au început să fie create în alte zone, dar aveau un ornament albastru și alb similar. Au apărut și multe falsuri.

Experții spun că numai lucrările originale care au modelat stilul familiar Gzhel în anii 80 ai secolului XX pot fi numite produse Gzhel autentice. Acestea sunt lucrări ale unor artiști precum Azarova, Denisov, Neplyuev, Fedorovskaya, Oleynikov, Tsaregorodtsev, Podgornaya, Garanin, Simonov și alții. Fiecare dintre acești meșteri pune o semnătură sau ștampilă personală a companiei în care lucrează la produs. Dacă comandantul este un angajat al întreprinderii, atunci produsele sale sunt transferate la atelierul de producție în scopul reproducerii.

pictura Zhostovo

La mijlocul secolului al XVIII-lea, un nou tip de pescuit a apărut în Urali, unde se aflau uzinele metalurgice Demidov. Meșterii locali au început să picteze tăvi metalice. Interesant este că astfel de ateliere au apărut în orașe în care o parte considerabilă a populației erau Vechi Credincioși, care încă mai au acolo case de rugăciune și biserici. Acestea sunt Nizhny Tagil, Nevyansk și Vyysk, fondate în 1722. Așa au apărut așa-numitele tăvi Tagil. Industriașii Demidov, care supravegheau acest meșteșug, erau foarte preocupați de calitatea și valoarea artistică a produselor. Pentru a educa și pregăti personal profesionist, au înființat o școală în 1806. Stilul istoric al tăvilor Tagil a fost creat datorită acestei școli și a celui mai autoritar profesor al ei - un absolvent al Academiei Imperiale de Arte V.I. Albiciov.

În toată țara se vindeau tăvi Tagil pictate. Au început să încerce să producă produse similare în alte locuri. Cea mai de succes astfel de încercare a fost organizarea producției de tăvi pictate în satul Zhostovo, provincia Moscova. Tăvile realizate acolo au devenit celebre în prima jumătate a secolului al XIX-lea. De atunci, acest tip de meșteșug a primit numele de „pictură Zhostovo”. Până în prezent, meșteșugul picturii în tăvi a supraviețuit doar în Nijni Tagil și Zhostovo. Pictura se face în principal pe un fundal negru (ocazional pe roșu, albastru, verde).

Motivele principale ale picturii sunt: ​​buchetele de flori, atât de grădină luxuriantă, cât și mici flori sălbatice; Peisaje din Ural sau orașe antice. Pe unele tăvi antice se pot vedea oameni și păsări fabuloase. Tăvile pictate sunt folosite fie în scopul propus (pentru un samovar, pentru servirea prânzului), fie pentru decorare. În funcție de forma lor, tăvile sunt împărțite în rotunde, octogonale, dreptunghiulare și ovale.

Miniatura Palekh

După Revoluția din octombrie și începutul persecuției religiei, pictorii de icoane din Palekh au fost nevoiți să caute o nouă modalitate de a câștiga bani. Astfel, mulți s-au recalificat ca maeștri ai miniaturii lac. Acest tip de miniatură este realizată folosind tempera pe papier-mâché. De regulă, sunt vopsite cutii, sicrie, capsule, broșe, panouri, scrumiere, cutii de ace și multe altele. Pictura este realizată în aur pe fond negru. Tehnologia originală a secolului trecut, care a fost folosită de primii meșteri Palekh în anii 1920-30 ai secolului XX, a fost parțial păstrată.

Subiectele caracteristice ale miniaturii Palekh sunt împrumutate din viața de zi cu zi, opere literare ale clasicilor, basme, epopee și cântece. Multe povești sunt dedicate evenimentelor istorice, inclusiv revoluției și războiului civil. Există o serie de miniaturi dedicate explorării spațiului. De la începutul secolului al XXI-lea, printre unii maeștri care lucrează în maniera Palekh, a existat o tendință de a reveni la subiectele iconografice.

Miniatura Fedoskino este un alt tip de pictură tradițională în miniatură cu lac rusesc. Realizat cu vopsele de ulei pe papier-mâché. Spre deosebire de miniaturile Palekh, ale căror tehnici provin din pictura icoanelor, miniatura Fedoskino a fost inițial formată ca un tip de artă aplicată, de unde stilul de pictură mai „cu picioarele pe pământ”.

Miniaturale Fedoskino au apărut la sfârșitul secolului al XVIII-lea în satul Fedoskino, provincia Moscova. Principalele motive ale miniaturii: „troikele”, „ceaiurile”, scene din viața țăranilor. Cele mai apreciate au fost sicrie și sicrie care au fost decorate cu compoziții complexe cu mai multe figuri - copii ale picturilor artiștilor ruși și vest-europeni.

În secolul al XIX-lea, miniaturile Fedoskino au servit în principal scopurilor decorative. La mijlocul secolului al XX-lea, direcția autorului a început să se dezvolte. Intrigile miniaturii au început să devină mai complexe.

Khokhloma

Pictura decorativă Khokhloma de la Nijni Novgorod este cunoscută în toată Rusia. Pescuitul își are originea în secolul al XVII-lea în satul Khokhloma. Este situat pe teritoriul fostului district Semenovsky al provinciei Nijni Novgorod, renumit în antichitate pentru marile mănăstiri Vechi Credincioși, cum ar fi mănăstirile Sharpansky și Olenevsky. Nu întâmplător, în celebrul roman al lui Andrei Melnikov (Pechersky), vechii credincioși din raionul Semenovsky sunt angajați în fabricarea de ustensile din lemn. Am făcut asta și în Khokhloma. Cu toate acestea, maeștrii Khokhloma au devenit cunoscuți în toată Rusia pentru picturile lor neobișnuite și strălucitoare. Au pictat vase și mobilier din lemn. Culorile folosite în principal au fost negru, roșu, auriu și uneori verde.

Pentru a obține culoarea aurie caracteristică Khokhloma, meșterii locali aplică praf de staniu argintiu pe suprafața produsului atunci când pictează. După aceasta, sunt lăcuite și prelucrate de trei sau patru ori în cuptor, ceea ce obține o culoare unică de miere-aurie, care conferă ustensilelor din lemn ușor un efect masiv.

Datorită acestei tehnologii care creează o culoare neobișnuită, Khokhloma a devenit popular în întreaga lume. Farfuriile și lingurile realizate în acest stil au început să fie percepute în secolul al XX-lea ca un simbol al veselei naționale rusești.

Pictura Gorodets a apărut la mijlocul secolului al XIX-lea în zona orașului antic Gorodets, provincia Nijni Novgorod. Prin eforturile Vechilor Credincioși, Gorodeț a devenit un centru al construcțiilor de nave din lemn și al comerțului cu cereale, cu faimă în toată Rusia. Negustorii Bătrâni Credincioși au donat sume importante pentru construirea de biserici, întreținerea spitalelor, orfelinatelor, educației publice și îmbunătățirii orașului.

Pictura Gorodets este strălucitoare și lacoică. Principalele teme ale picturii sunt scene din basme, figuri de cai, păsări, flori, viața țărănească și negustoroasă. Pictura este realizată cu o lovitură liberă cu un contur grafic alb și negru. Gorodets pictează roți, mobilier, obloane, uși, cufere, arcade, sănii și jucării pentru copii decorate.

Asta spune el V.S. Voronov despre pictura Gorodets:

Stilul Nijni Novgorod ne prezintă cea mai pură versiune a artei picturale autentice, care a depășit cadrul captivității grafice și se bazează exclusiv pe elementele picturii.

pictura Mezen

Pictura mezen pe lemn (pictura palaschel) este un tip special de pictură a ustensilelor de uz casnic, în special roți de învârtit, oale, cutii, bratini, care s-a dezvoltat spre sfârșitul secolului al XIX-lea în cursul inferioară al râului Mezen. Din cele mai vechi timpuri, aceste locuri, la fel ca întreaga regiune de pe litoral, au fost locuite de vechi credincioși. Și din decembrie 1664 până în februarie 1666, protopopul Avvakum a fost în exil chiar în Mezen. Cea mai veche roată care se învârte cu pictură Mezen datează din 1815.

Motivele artistice ale picturii Mezen pot fi găsite în cărțile scrise de mână din secolul al XVIII-lea, care au fost realizate în Pomerania. Culorile principale ale picturii Mezen sunt negru și roșu. Principalele motive ale modelelor geometrice sunt discuri, romburi, cruci. Obiectul pictat a fost acoperit cu ulei de uscare, care a protejat vopseaua de a fi șters și a conferit produsului o culoare aurie.

La sfârșitul secolului al XIX-lea, pictura Mezen era concentrată în satul Palașchelye, unde lucrau familii întregi de meșteri: Aksenov, Novikov, Fedotov, Kuzmin, Shishov. La mijlocul anilor 1960. Pictura Mezen a fost reînviată de descendenții vechilor maeștri Palashchel: F.M. Fedotov în satul Palashchelye și S.F. și I.S. Fatyanovs în satul Selișche. Expoziția de roți învârtite Mezen din 2018 a devenit primul eveniment din noul muzeu care poartă numele. Gilyarovsky, în Stoleshnikov Lane din Moscova.

Dantela Vologda este un meșteșug rusesc care își are originea în regiunea Vologda în secolul al XVI-lea. Dantela este tesuta folosind bobine (bete de lemn). Ca un meșteșug separat cu trăsături caracteristice proprii, dantelă Vologda era cunoscută deja în secolele XVII-XVIII. Cu toate acestea, până în secolul al XIX-lea, fabricarea dantelăriei a fost un meșteșug casnic, practicat în primul rând de meșteșugari private. Odată cu creșterea popularității dantelăi Vologda, producția de produse a fost pusă în funcțiune. În secolul al XIX-lea, în vecinătatea Vologdei au apărut fabrici de dantelă.

Toate imaginile principale din dantelă Vologda interconectată sunt realizate cu împletitură densă, continuă, de aceeași lățime. Pentru producția de dantelă Vologda, se utilizează o pernă de pernă, bobine de ienupăr sau mesteacăn, ace și așchii. Un material tipic pentru dantela Vologda este inul.

Subiectele dantelei Vologda sunt foarte diferite - de la ornamente florale la compoziții figurate. În dantelă Vologda puteți găsi simboluri creștine și populare antice.

Dantela Yelets nu este mai puțin faimoasă. Se împletește folosind bobine. Acest tip de dantelă a apărut la începutul secolului al XIX-lea în orașul Yelets.

Dantela se remarcă prin contrastul moale al unui model mic (floral și geometric) și un fundal subțire ajurat.

Se crede că dantelă Yelets este mai ușoară și mai elegantă decât dantelă Vologda.

Dantela Mtsensk este un tip de dantela ruseasca care este tesuta folosind bobine.

Dantela Mtsensk a apărut în orașul Mtsensk, regiunea Oryol, în secolul al XVIII-lea. Acest lucru a devenit posibil datorită proprietarului local Protasova, care a adunat meșteșugari din diferite părți ale Rusiei și a fondat o fabrică - cea mai mare producție de dantelă din Rusia la acea vreme.

O trăsătură distinctivă este utilizarea motivelor geometrice. În comparație cu dantelă Vologda, modelul din acesta este mai puțin dens și bogat, după cum scriu experții - mai „aerisit”.

La începutul secolului al XVIII-lea, în provincia Vyatka au apărut meșteșugari angajate în fabricarea dantelăi. Cu toate acestea, producția de dantelă a căpătat o scară industrială abia în a doua jumătate a secolului al XIX-lea. Acest meșteșug este realizat de meștere țărănești. În 1893, în așezarea Kukarka, districtul Yaransky, provincia Vyatka, a fost organizată o școală zemstvo de dantelări. Formele produselor sunt variate și uneori neobișnuite: acestea sunt veste, împletituri de eșarfe, gulere, șervețele cu modele sub formă de fluturi, flori luxuriante și bucle capricioase.

Cele mai interesante produse din dantelă Vyatka au fost create în perioada sovietică. Aceste realizări sunt asociate cu numele celebrului artist de dantelă, laureat al Premiului de Stat al Rusiei, numit după Repin Anfisa Fedorovna Blinova. Lucrările ei se află la Galeria Tretiakov, la Muzeul Rus, la Fondul de Artă Rusă și la Institutul de Cercetare al Industriei de Artă din Moscova.

În timpul crizei economice din anii 90 ai secolului XX, fabrica de dantelă situată în orașul Sovetsk (fosta așezare Kukarka) a fost închisă. Abia recent, în 2012, în oraș a fost creată cooperativa-artel de producție de dantelă Kukarskoe, reînviind puțin câte puțin tradițiile meșteșugului străvechi.

Fularul pufos Orenburg este o esarfa tricotata din puf unic de capre Orenburg, aplicata pe o baza speciala (bumbac, matase sau alt material).

Acest pescuit își are originea în provincia Orenburg în secolul al XVIII-lea. Produsele sunt foarte subțiri, ca pânzele de păianjen, dar de obicei au un model complex și sunt folosite ca decor. Subțirea unui produs este adesea determinată de doi parametri: dacă produsul se potrivește printr-un inel și dacă se potrivește într-un ou de gâscă.

La mijlocul secolului al XIX-lea, eșarfele din puf au fost prezentate la expoziții din țările europene, unde au primit recunoaștere internațională. Au fost făcute încercări repetate, inclusiv în străinătate, de a deschide producția de astfel de puf pentru nevoile industriei ușoare. Cu toate acestea, nu au avut succes. S-a dovedit că pentru a obține un astfel de puf fin și cald de la capre, sunt necesare condiții climatice destul de dure și o anumită dietă, a căror combinație este posibilă numai pe teritoriul regiunii Orenburg.

La mijlocul secolului al XIX-lea, în orașul Pavlovsky Posad, au început să fie produse eșarfe de lână cu așa-numitul model imprimat, care au fost aplicate pe țesătură folosind forme cu model în relief. Şalurile Pavloposad sunt în mod tradiţional produse negre sau roşii cu un model floral voluminos.

În anii 70 În secolul al XIX-lea s-a format paleta de eșarfe cunoscute nouă, iar gama de eșarfe cu motive florale naturaliste s-a extins. Meșteșugarii preferă imaginile cu flori de grădină, în primul rând trandafiri și dalii.

Până în anii 1970, designul a fost aplicat țesăturii folosind forme sculptate din lemn: conturul designului - cu scânduri - „maniere”, designul în sine - cu „flori”. Crearea eșarfei a necesitat până la 400 de suprapuneri. Din anii 1970, vopseaua a fost aplicată pe țesături folosind șabloane de plasă din mătase și nailon. Acest lucru vă permite să creșteți numărul de culori, eleganța designului și îmbunătățirea calității producției.

Cusăturile Krestetsky (sau broderia Krestetsky) este un meșteșug popular care s-a dezvoltat încă din anii 1860 în districtul Krestetsky din provincia Novgorod, locuit din cele mai vechi timpuri de vechii credincioși.

Cusatura Krestetskaya este cea mai laborioasă și complexă tehnică de broderie cu cusături.

Broderia se făcea pe țesătură de in, iar firele, urzele și bătătura erau tăiate și scoase din țesătură, formând goluri ca o plasă. Această țesătură a fost folosită pentru a crea o varietate de modele și broderii. Broderia Krestetsk a fost folosită pentru a decora articole de îmbrăcăminte, perdele și prosoape.

Turnare Kasli - produse artistice (sculptură, zăbrele, elemente arhitecturale etc.) din fontă și bronz, produse la o turnătorie de fier din orașul Kasli.

Această fabrică a fost fondată în 1749 de către comerciantul Old Believer Yakov Korobkov, care a sosit aici împreună cu familia din Tula. El a fost ghidat de decretul lui Petru I, care spunea:

Se demnește fiecăruia, libertatea este dată, indiferent de rang și demnitate, în toate locurile, atât pe pământ propriu, cât și pe pământ străin, de a căuta, topi, găti, curăța tot felul de metale și minerale.

Sculptura „Rusia” N.A. Laveretsky, casting Kasli, 1896

Majoritatea lucrătorilor fabricii erau și vechi credincioși care au sosit din diferite locuri din ținutul Ural, unde persecuția vechii credințe nu era atât de vizibilă.

Tradițiile turnării Kasli - claritatea grafică a siluetei, o combinație de detalii finisate cu atenție și planuri generalizate cu un joc energic de evidențieri - s-au dezvoltat în secolul al XIX-lea. În această perioadă, proprietarii fabricii au recrutat noi sculptori talentați, artiști, vânători și mulatori. Produsele de turnare Kasli au primit premiul Grand Prix la prestigioasa Expoziție Mondială de Arte Aplicate de la Paris din 1900.

Scoarța de mesteacăn cu fante Shemogodskaya, care provine din regiunea Vologda, a devenit deosebit de populară. Scoarța de mesteacăn, în ciuda fragilității sale aparente, este un material destul de puternic și durabil. Meșterii Vologda realizează o varietate de coșuri, vase, accesorii, bijuterii și chiar pantofi și haine.

Particularitatea acestor produse este că modelele naturale de plante, frunzele și fructele de pădure, florile și tulpinile, animalele și oamenii sunt împletite cu modelul tradițional. Modelele tradiționale ale scoarței de mesteacăn cu fante Shemogodskaya sunt gravate pe foi de coajă de mesteacăn cu o punte tocită și tăiate cu un cuțit ascuțit, eliminând fundalul. Uneori, sub ajurat se pune hârtie colorată sau un alt strat de scoarță de mesteacăn; sculptura este completată de embosare. În secolul al XIX-lea, aceste produse au fost supranumite „ dantela din scoarta de mesteacan».

În perioada sovietică, produsele fabricate din scoarța de mesteacăn Shemogodskaya erau considerate un simbol al pădurii rusești și erau solicitate în rândul străinilor. Totodată, la fabrica de mobilă Shemogodsky (regiunea Vologda) a fost organizat un atelier de sculptură în scoarță de mesteacăn. Și în zilele noastre, niciun târg rusesc nu este complet fără feluri de mâncare din scoarță de mesteacăn.

Acest meșteșug rusesc a apărut printre sculptorii profesioniști în lemn de la Nijni Novgorod. Meșterii folosesc osul tubular de la bovine ca materie primă principală - „ coadă„și un corn. De asemenea, tipuri mai rare și mai valoroase de oase de mamut și morsă sunt folosite pentru a face tipuri scumpe de produse.

Sculptura în os Varnavin este folosită în principal la fabricarea de bijuterii pentru femei (acele de păr, piepteni, agrafe, piepteni, broșe, pandantive, mărgele, coliere, pandantive, brățări, cercei, inele, inele), sicrie, sicrie, stilouri, vase decorative și alte suveniruri.

Particularitatea acestor produse este unicitatea și individualitatea lor absolută. Fiecare articol este realizat manual, fără modele sau ștampile.

Sculptura Abramtsevo-Kudrinskaya este un meșteșug artistic de sculptură în lemn care s-a format la sfârșitul secolului al XIX-lea în vecinătatea moșiei Abramtsevo de lângă Moscova.

Această tehnică a fost folosită pentru a face oală, vase, vase și cutii, precum și orice decor și articole de uz casnic. Particularitatea acestor produse este predominarea diferitelor bucle, rozete, crenguțe, nuanțare și lustruire a lemnului.

Perioada de glorie a acestui pescuit a avut loc în perioada sovietică - 20-40. Lucrătorii de la artela Kudrin „Vozrozhdenie” au primit chiar comenzi de la Galeria Tretiakov. Produsele istorice și moderne realizate în stilul sculpturii Abramtsevo-Kudrin au fost prezentate la expoziția internațională de la Paris în 1937. După prăbușirea URSS, fabrica de sculptură Kudrin a fost închisă. Astăzi, pescuitul este păstrat datorită muncii meșteșugarilor privați.

Istoria cristalului Gusev a început în 1756, când comerciantul Oryol Akim Maltsov a fondat prima fabrică de sticlă pe malul râului Gus, în pădurile dese din Meshchera.

Primele mențiuni despre volost Gussky datează din secolul al XVII-lea. Când a fost interzisă construcția fabricilor de sticlă în regiunea Moscovei din cauza defrișărilor excesive, prima fabrică de cristal a fost construită în satul Gus de pe râul cu același nume, meșteri pentru care au fost aduși special din Mozhaisk. Astfel a început istoria nu doar a producției, ci a unui întreg meșteșug popular care continuă să înflorească până în zilele noastre.

Acum planta este renumită în primul rând pentru sticla sa de artă. Artiștii lui Gusev, ținând cont de caracteristicile materialului, îi conferă o expresivitate extrem de artistică, folosind cu pricepere culoarea, forma și decorul.

Filigran

Filigranul (sau filigranul) este un artizanat de bijuterii care folosește un model ajurat sau lipit de aur subțire, argint etc. pe un fundal metalic. sârmă. Elementele unui model în filigran pot fi foarte diverse: frânghie, dantelă, țesut, țesut, șină, cusătură de satin. Elementele filigranate individuale sunt unite într-un singur întreg prin lipire. Filigranul este adesea combinat cu boabe - bile mici de metal care sunt lipite în celule pre-pregătite (degajări). Granulele creează o textură spectaculoasă și un joc de lumini și umbre, datorită cărora produsele capătă un aspect deosebit de elegant, sofisticat. Materialele pentru produsele filigranate sunt aliaje de aur, argint și platină, precum și cupru, alamă, cupronickel și nichel-argint. Bijuteriile realizate prin tehnica filigranului sunt oxidate și argintiate. Filigranul este adesea combinat cu smalț (inclusiv smalț), gravură și embosare.

Articolele din filigran erau produse în ateliere regale sau monahale. În secolul al XVIII-lea, s-au făcut obiecte mari din filigran; împreună cu pietrele, au fost utilizate pe scară largă cristalul și sideful. În același timp, s-au răspândit obiectele mici din argint: vaze, sare și cutii. Din secolul al XIX-lea, produsele din filigran au fost deja produse de fabrici în cantități mari. Aceasta include vase scumpe, ustensile de biserică și multe altele.

Centrele de lucru ale scanerelor astăzi sunt:

• Satul Kazakovo, districtul Vachsky, regiunea Nijni Novgorod, unde se află întreprinderea de produse artistice, care produce produse de bijuterii unice folosind tehnica străveche de prelucrare artistică a metalelor - filigran.
• Satul Krasnoe-on-Volga, regiunea Kostroma, găzduiește Școala de prelucrare artistică a metalelor Krasnoselskoye, a cărei sarcină principală este păstrarea meșteșugurilor tradiționale de bijuterii Krasnoselskoye - filigran, email, ștanțare și multe altele.
• Orașul Pavlovo, regiunea Nijni Novgorod, unde se află școala tehnică de arte și meșteșuguri populare rusești.

Smalț

Emailul este producția de opere de artă folosind pulbere sticloasă și email pe un suport metalic. Stratul de sticlă este durabil și nu se estompează în timp; produsele de email sunt deosebit de strălucitoare și de culoare pură. Smaltul capata culoarea dorita dupa ardere cu ajutorul aditivilor care folosesc saruri metalice. De exemplu, adăugarea de aur dă sticlei o culoare rubin, cobaltul îi dă o culoare albastră, iar cuprul îi dă o culoare verde.

Email Vologda (Usolskaya) - pictură tradițională pe email alb. Pescuitul își are originea în secolul al XVII-lea în Solvychegodsk. Mai târziu, au început să se angajeze în smalț similar în Vologda. Inițial, motivul principal au fost compoziții de plante pictate pe o bază de cupru: modele florale, păsări, animale, inclusiv cele mitologice. Cu toate acestea, la începutul secolului al XVIII-lea, smalțul monocolor (alb, albastru și verde) a devenit popular. Abia în anii 1970 ai secolului XX a început renașterea smalțului multicolor „Usolskaya” de către artiștii Vologda. Producția continuă și astăzi.

Există și smalțul Rostov - un meșteșug de artă populară rusă care există încă din secolul al XVIII-lea în orașul Rostov cel Mare, regiunea Yaroslavl. Imaginile în miniatură sunt realizate pe email cu vopsele transparente ignifuge, care au fost inventate în 1632 de bijutierul francez Jean Toutin.

Produse din malachit

Malachitul este un mineral verde cu nuanțe bogate care poate fi procesat cu ușurință. Piatra poate fi de la verde deschis la negru-verde, iar prima ambarcațiune datează de mai bine de 10 mii de ani. Soiurile dense de malachit cu culoare bună și modele frumoase sunt foarte apreciate; de ​​la sfârșitul secolului al XVIII-lea au fost folosite pentru placarea suprafețelor plane. De la începutul secolului al XIX-lea, malachitul a fost folosit pentru a crea lucrări tridimensionale - vaze, castroane, vase.

Malachitul a devenit cunoscut pe scară largă în afara Rusiei datorită comenzilor de la Expoziția Mondială de la Londra din 1851, pregătite de. Datorită familiei Demidov, încă din anii 1830, malachitul a început să fie folosit ca material pentru decorarea arhitecturală: prima sală de malachit a fost creată din ordinul P.N. Demidov de arhitectul O. Montferrand într-un conac din Sankt Petersburg pe stradă. B. Morskaya, 43. În Catedrala Sf. Isaac au fost executate lucrări interioare de lux cu malachit. Malachitul este folosit și la fabricarea de bijuterii. Tehnica de placare cu malachit se numește „ mozaic rusesc" Se bazează pe principiul care a fost folosit de meșterii europeni pentru a reduce costul produselor lapislazuli încă din secolul al XVII-lea: plăci de piatră tăiate subțire acoperă suprafața unui obiect din metal sau piatră ieftină. Acest lucru creează iluzia unei sculpturi monolit.

Poveștile scriitorului rus Pavel Petrovici Bazhov, care și-a început cariera ca profesor într-o școală din îndepărtatul sat Ural Shaidurikha, locuit de vechi credincioși, sunt dedicate comerțului cu malachit. Din ele scriitorul a adoptat multe povești și legende interesante legate de viața din Urali și de obiceiurile folclorice ale populației locale.

Ce tipuri de picturi decorative populare rusești poți numi?
Aproape toată lumea își poate aminti pictura Khokhloma. Este strălucitor, frumos și produsele pictate cu Khokhloma pot fi găsite cel mai des.

Păpuși gigantice de cuib cu diverse tipuri de pictură

Dar asta nu este tot! Cultura noastră populară rusă este cu siguranță foarte bogată.
Vă propun să vizionați o serie de emisiuni TV create de canalul Country Life TV, fiecare episod fiind dedicat unui anumit tip de pictură.

Pictura Prikamsk.
Meșteri care lucrează în stilul pitoresc al picturii casei Kama au plasat imagini cu păsări și animale fabuloase, plante cu flori și fructe pe ușile și pereții casei și pe mobilier. Au simțit subtil și au exprimat cu acuratețe în lucrările lor viziunea poetică și de basm asupra țăranilor din Perm, care au păstrat multă vreme trăsături arhaice în viața lor de zi cu zi.

Pictura Pizhemskaya.
Una dintre cele mai vechi picturi din nordul Rusiei. Râul Pechora de nord și afluenții săi Tsilma, Pizhma și alții sunt locuri în care în secolul al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea. exista un mic centru de pictură grafică. Vechii Credincioși care au fugit aici s-au angajat în rescrierea cărților laice și religioase, pe care le-au decorat cu căciuli, litere inițiale și desene.

pictura Mezen.
Una dintre cele mai vechi meșteșuguri artistice rusești. Originile sale se pierd în secole îndepărtate. Pescuitul a atins apogeul de popularitate în secolul al XIX-lea. Roțile și cutiile mezen au fost distribuite pe scară largă de-a lungul râului Pinega și exportate în Pechora, Dvina și Onega. Stilizarea desenului, laconismul și expresivitatea picturilor, le apropie de picturile rupestre antice din nordul Rusiei. Mezen îi lipsește strălucirea populară rusă obișnuită și multicoloritatea.

Pictura Gorodets.
Meșteșuguri populare din regiunea Nijni Novgorod. S-a dezvoltat în a doua jumătate a secolului al XIX-lea în satele Trans-Volgă de lângă Gorodets.
Pictura Gorodets este unică în stilul său, așa că este destul de dificil să o confundi. Niciun produs Gorodets nu este complet fără ghirlande luxuriante și buchete de flori. Subiecții produselor Gorodets aveau un fel de complot unic, plimbări de domni cu doamne, călăreți pe cai, scene de băut ceai în interioare bogate.

Pictura Zhostovo este un meșteșug popular de pictură artistică a tăvilor metalice care există în satul Zhostovo, districtul Mytishchi, regiunea Moscova. Pescuitul a apărut la mijlocul secolului al XVIII-lea. în Urali, unde se aflau uzinele metalurgice Demidov.

De-a lungul a peste două sute de ani de istorie, fabrica de șaluri a dezvoltat o școală unică de design de șaluri Pavlovo Posad.

Gzhel este unul dintre centrele tradiționale rusești pentru producția de ceramică.

Meșteșugurile populare au ajuns la noi din cele mai vechi timpuri - pictură, sculptură, dantelă, dar există și noi meșteșuguri populare. Cel mai adesea au început cu arta gospodărească țărănească.

Pictura artistică în Rusia

Produsele din lemn și metal, jucăriile pentru copii și mobilierul au fost pictate în Rus' din timpuri imemoriale. Tehnologia din diferite regiuni ale țării diferă semnificativ una de cealaltă. Mai multe detalii despre cele mai cunoscute tipuri de pictură.

Pictura Gorodets

Pictura Gorodets își are originea în regiunea Volga, în satele din provincia Nijni Novgorod. Erau situate în apropierea unui sat mare numit Gorodets. Erau târguri unde se vindeau meșteșuguri făcute de meșteri. De aici provine numele - pictura Gorodets.

Pictura Polhov-Maidan

Locul de naștere al picturii Polkhov-Maidan este sudul regiunii Nijni Novgorod. Acolo, în satul Polkhovsky Maidan, satul Voznesenskoye și satul Krutets, se află centrul acestei picturi. A apărut cu doar o sută de ani în urmă pe baza industriei de strunjire dezvoltată în acele locuri. Maeștrii au pictat păpuși de cuib, jucării pentru copii, ciuperci, ouă de Paște și au folosit doar patru culori - verde, albastru, galben și roșu.

Pictura Palekh

Pictura Palekh a apărut destul de recent - deja în epoca sovietică, totuși, rădăcinile acestei picturi se întorc în antichitate. Datorită acestui meșteșug unic, satul Palekh, regiunea Ivanovo, a devenit cunoscut în toată Rusia. Se știe despre pictura Palekh, miniaturi Palekh, pictura icoană Palekh. Particularitatea picturii este că artiștii creează nu doar ornamente, ci desenează scene întregi și compoziții cu cele mai mici detalii.

pictura Zhostovo

Pictura Zhostovo este pictura cu lac pe tăvi, care a apărut în o mie opt sute douăzeci și cinci. Astfel de tăvi sunt fabricate la o fabrică din satul Zhostovo și din orașul Nijni Tagil. Principala diferență a acestui meșteșug este abundența de culori, tonurile incomparabile și realismul tuturor elementelor.

Gzhel

Pictura Gzhel, după cum sugerează și numele, își are originea în orașul Gzhel. Modelele ei sunt predominant modele florale și modele geometrice simple, realizate în vopsea albastru strălucitor cobalt pe un fundal alb ca zăpada. Orașul Gzhel este un centru pentru producția de ceramică. În multe privințe, acesta a fost motivul apariției picturii sale unice în acest oraș. Meșteșugul artistic Gzhel nu este tânăr; rădăcinile sale merg din secolul al XIV-lea. Atunci a fost descoperit zăcământul de argilă Kudinovskoye.

meșteșuguri rusești devenite meserii

Uneori, meșteșugurile rusești au devenit meserii. Ele au apărut atunci când produsele meșteșugărești populare au fost puse în circulație. Știm despre fabricarea jucăriilor din lut, despre sculpturile speciale în lemn, despre meșteșugul din dantelă și așa mai departe.

Jucărie Dymkovo

În apropierea orașului Vyatka a existat o așezare numită Dymkovo, acum este unul dintre cartierele orașului. În așezarea Dymkovo din secolul al XIX-lea, au apărut jucăriile din ceramică pictate pentru copii. Depozitele de lut și nisip din acele locuri au devenit motivul pentru producerea de ulcioare și borcane de lut de către meșteri. S-au făcut jucării strălucitoare, vesele, pentru distracția copiilor. Doar femeile sau copiii erau implicați în modelarea și pictura jucăriilor. Modelul de pe jucăria Dymkovo este întotdeauna geometric, constând din cercuri, dungi și celule. Pe lângă pictura sa unică, jucăria iese în evidență pentru că este împodobită cu aur.

Jucărie Filimonovskaya

Producția de jucării Filimonovo a luat naștere pe baza producției de mâncăruri de lut situate în apropierea satului Filimonovo. Aceste jucării sunt o varietate de fluiere. O trăsătură distinctivă este forma alungită a produselor, care se datorează caracteristicilor argilei locale. Până în ziua de azi, fluierele sunt pictate doar cu un stilou.

Sculptură Abramtsevo-Kudrinskaya

Sculptura, devenită meșteșuguri, a apărut în moșia Abramtsevo, lângă Moscova, în secolul al XIX-lea. Numele său este sculptura Abramtsevo-Kudrinskaya. Cioplitorii au studiat și lucrat în atelierul de tâmplărie, unde au fost învățați și pictura și desenul. Astfel, un mic atelier a devenit baza unui viitor meșteșug, remarcat prin stilul său unic de sculptură.

Dantela Vyatka

Dantela Vyatka este cunoscută încă din secolul al XVIII-lea. În a doua jumătate a secolului al XIX-lea, în provincia Vyatka a fost organizată o școală zemstvo de dantelări. De mulți ani a existat o fabrică de dantelă în acele locuri, dar a fost închisă la începutul anilor nouăzeci. Dantelerii și-au păstrat abilitățile, tradițiile și tehnologia artizanală unice. Se încântă cu produse noi, unindu-se în artele sau întreprinderi mici.

Meșteșuguri populare noi

Nu toate meșteșugurile populare au o istorie bogată. Unele au apărut destul de recent. Ce fel de meșteșuguri sunt acestea, vom afla mai târziu.

Pictura decoratiuni pentru brad

Pictura pomului de Crăciun ca meșteșuguri își are originea în secolul al XIX-lea în satul Danilovo. Acolo au fost făcute și jucăriile. Țăranii făceau asta acasă, folosind arzătoare simple pentru suflare. Cererea pentru astfel de jucării a crescut, iar numărul meșterilor singuri a crescut și el. Curând, unii proprietari de case au organizat mici producții cu muncitori angajați.

Fabrica „Ariel”

Cea mai veche fabrică din Rusia care produce jucării de Anul Nou este fabrica Ariel. Este situat în Nijni Novgorod. În ciuda schimbării modei de-a lungul anilor, fabrica nu schimbă tradiția de a face jucării realizate manual. Lângă fabrică se află un muzeu de decorațiuni pentru brad și un magazin.

Cel mai cunoscut meșteșug popular din Rusia

Poate cel mai recunoscut meșteșug popular rusesc este pictura cu aur Khokhloma. Ea își are originea la sfârșitul secolului al XVII-lea în regiunea Nijni Novgorod, când la târgurile din satul Khokhloma vindeau produse din lemn pictate de localnicii din satele din jur.

Toate articolele sunt elegante și colorate. O trăsătură distinctivă a picturii este prezența unui fundal de aur sau a unui ornament de aur. În timp ce pictează, maeștrii vin cu desenele lor din mers; aceasta este întotdeauna o improvizație atunci când urmează regulile picturii Khokhloma. Maestrul transformă un simplu obiect din lemn într-o operă de artă populară. Gospodinele mai folosesc astfel de ustensile. Este expusă și în muzee. Există un site web despre cele mai mari muzee din lume.
Abonați-vă la canalul nostru în Yandex.Zen

30 aprilie 2014

Pictura artistică ca tip de artă decorativă și aplicată continuă tradițiile artei populare. Aceasta nu este doar o anumită serie vizuală, esența ei este mult mai mare, pentru că pare că plutește în afara timpului, unind munca a zeci de generații de maeștri. Este legat organic de Patria Mamă - la locul de origine în comunitatea țăranilor (crescători de vite, fermieri, vânători).

Opiniile criticilor de artă asupra picturii artistice

Pictura artistică se aplică produselor realizate din materiale tradiționale „democratice” naturale ușor de obținut: țesături naturale, lemn, lut, piele, piatră, os.

Până în secolul al XVII-lea, mugurii săi au existat în cadrul fermelor țărănești individuale de subzistență. Abilitățile au fost transmise de către maeștri de-a lungul liniei de familie, din generație în generație. Tehnicile artistice specifice au fost perfectionate pentru a permite prezentarea optima a produselor. Au fost alese cele mai expresive și semnificative metode de aplicare a ornamentului. Pictura în arhitectură a decorat tavanul, pereții, bolțile, grinzile și stâlpii, iar în viața de zi cu zi - vase și obiecte de muncă.

În perioada dintre secolele XVII-XVIII, pictura artistică din Rusia era deja transformată într-un meșteșug care crea bunuri pentru piață. Nu stăpânii individuali încep să se angajeze în ea, ci localitățile și satele individuale. În secolul al XIX-lea a avut loc o organizare artel a artei picturii. De exemplu, maeștrii miniaturii Fedoskino s-au organizat astfel după ruinarea proprietarilor privați în 1903 și și-au păstrat arta. În 1876, profesorul A.A. Isaev a început să sistematizeze diferite tipuri de pictură. în monografia în două volume „Incendiile provinciei Moscova”.

În anii 20-30 ai puterii sovietice, accentul a fost pus pe crearea de artele de pescuit cooperant în locurile în care centrele de artă populară s-au dezvoltat istoric, dezvoltând tipuri originale de pictură. De exemplu, pictura Khokhloma în regiunea Nijni Novgorod.

Strategia de dezvoltare a picturii, ca și alte tipuri de artă decorativă și aplicată, a fost conceptualizată și conturată de omul de știință și profesor Vasily Sergeevich Voronov în monografia „Despre arta țărănească”.

În prezent, întreprinderile de pictură artistică dezvoltă în mod activ tipuri de pictură pentru a satisface cererea atât pe piața rusă, cât și în străinătate. Produsele pictate, deși își păstrează funcția de zi cu zi, capătă din ce în ce mai mult caracteristici de valoare estetică și artistică. Pentru producția lor, pentru lucrările de degroșare și pregătire sunt utilizate mașini moderne și echipamente speciale. Principala activitate de creație, ca acum câteva secole, este realizată manual de artiști maeștri.

Pictura ca artă

Este imposibil să nu observăm că pictura națională schimbă însăși imaginea produsului. Devine mai expresiv la nivelul schemei de culori, al ritmului liniilor și al proporționalității. Bunurile industriale „dessuflete” devin calde și vii prin eforturile artiștilor. Acesta din urmă se realizează prin aplicarea de ornamente și elemente de artă plastică (grafică și pictură). Diverse tipuri de pictură creează un fundal emoțional pozitiv deosebit, în ton cu localitatea industriei pescuitului.

Din punct de vedere formal, pictura artistică se realizează prin aplicarea de vopsele pe o anumită suprafață cu o pensulă. Un punct important trebuie remarcat: spre deosebire de pictura, care modelează un spațiu integral, pictura este întotdeauna fragmentară.

Specialiștii în design vorbesc adesea despre fenomenul picturii rusești: se armonizează universal cu aproape orice stil: minimalism, modern, țară. Tehnicile create de maeștrii străvechi au fost perfectionate de multe generații de meșteri în anumite zone, creând o expresivitate stilistică deosebită. Din fericire, în Rusia secolului al XXI-lea s-au păstrat și se dezvoltă diverse tipuri de pictură: Gzhel, Khokhloma, Boretskaya, Gorodets, Mezenskaya, Onega, Permogorskaya, Pizhemskaya, Polkhovsko-Paidanskaya, Puchuzhskaya, Rakulskaya. Să luăm în considerare caracteristicile acestor stiluri originale.

Apariția lui Khokhloma

Capacitatea de a picta lemnul în culoarea aurie fără a folosi, de fapt, aurul a fost transmisă maeștrilor Khokhloma de la pictorii de icoane schismatici, care au descoperit acest know-how încă din secolul al XII-lea în sălbăticia secretă a pădurilor din regiunea Volga. Apropo, erau familiarizați cu meșteșugurile care asigură pictura: strunjirea și arta ornamentului antic. Poate că erau familiarizați și cu tipurile antice de pictură,

Khokhloma, un mare sat comercial din regiunea Nijni Novgorod din regiunea Volga, a atras ca un magnet meșteri pricepuți.

În termeni moderni, acest târg regional pentru un grup de sate de-a lungul malurilor râului Uzola a funcționat nu numai pentru piața internă rusă. Negustorii bogați cumpărau cantități mari de bunuri populare de pe el și le transportau pentru export. Astfel, piața Khokhloma a fost „sub radarul” atât a piețelor interne, cât și a celor externe, ceea ce înseamnă că concurența de calitate a prevalat asupra concurenței prin preț. A fost creat un adevărat stimulent: priceperea unei persoane pricepute i-a adus o bogăție tangibilă.

Potrivit cercetărilor specialiștilor, în perioada dintre secolele al XII-lea și al XVII-lea, a evoluat stilul Khokhloma, în care au fost integrate tipuri antice de pictură pe lemn Nijni Novgorod.

În perioada dintre secolele al XVII-lea și al XVIII-lea, stilul Khokhloma a luat contur în principal. În timpul nostru, punctele sale sunt:

Fabrica „Artist Khokhloma”, care angajează meșteri din satele din districtul Koverninsky (Semino și altele). Picturile lor sunt dominate de flori sălbatice și fructe de pădure;

Asociația „Pictura Khokhloma”, Semenov. Maeștrii asocierii dezvoltă în mod tradițional tema florilor fantastice.

Tehnologia Khokhloma

Îndemânarea monahală a „periei fine” a găsit aplicare în cele mai bogate modele florale. Calitatea produselor a jucat un rol important. Arta Khokhloma presupunea aderarea maeștrilor la o anumită tehnologie. Este caracteristic că nu s-a schimbat până astăzi. Să enumeram etapele sale în ordine:

Întoarcerea unei piese de masă din lemn („in”) pe un strung;

Amorsarea pieselor de prelucrat cu o soluție lichidă de argilă special preparată („arbore”). În zilele noastre se folosesc grunduri artificiali în acest scop;

Coatorire cu tablă sau argint. În zilele noastre folosesc aluminiu pentru asta;

Pictura artistică pe lemn și uscarea produsului în cuptor;

Lacuire si uscare la cald.

Tratamentul termic intensiv al produselor a determinat schema de culori preferată de pictorii ruși antici: o combinație de aur și cinabru roșu cu negru. Acestea. temperatura sobelor Khokhloma nu a afectat luminozitatea și contrastul unor astfel de vopsele.

Metode de pictură Khokhloma

Tipurile antice de pictură pe lemn, integrandu-se în Khokhloma, au determinat cele două sisteme ale sale: scrierea „de fundal” și „munte”. Numele sistemului în sine conține o metodă de aplicare a contururilor principale ale siluetei.

Sistemul „de sus” presupune aplicarea unui contur de siluetă colorat direct pe un fundal auriu. Cel de fundal formează un „contur” auriu direct din fundal, prin „schițarea” spațiului care înconjoară „buclele aurii” cu culori negru și roșu de către maestru.

Fiecare dintre sisteme folosește aceleași tipuri de pictură Khokhloma. Sunt doar patru dintre ele: „buclă”, „sub boabe” (sau „sub frunză”); „sub turtă dulce”; „sub fundal”.

„Kudrina” sugerează un model de „iarbă” pictat cu o perie foarte subțire. Cu toate acestea, seamănă oarecum cu rogozul, ondulat cu inele dinamice armonioase complicate. Potrivit experților, acesta este cel mai vechi ornament.

„Sub boabe” - vopsit cu o perie mai groasă. Pe lângă „baza pe bază de plante”, aici apar deja frunze și fructe de pădure. Forma plantei este stilizată și combinată. Pe aceeași „tulpină” puteți vedea atât frunze de mușețel, cât și de căpșuni.

Pictura „turtă dulce” presupune jocul cu o anumită formă geometrică (cel mai adesea un romb). Figura este însuflețită de „tufișuri” pe părțile laterale și luminată de soare în mijloc.

Cu metoda „sub fundal”, se desenează secvențial un contur al plantei, după care fundalul liber rămas este pictat peste, în mare parte negru.

Datorită unicității pensulei fiecărui maestru, Khokhloma este unică și inimitabilă. Tipurile de pictură pe care le-am discutat mai sus alternează pe ea, mulțumind ochiul cu armonia culorilor aurii, roșu și negru.

Gzhel. Găsirea argilă pentru porțelan

Gzhel, ca artă a picturii artistice, sa născut pe teritoriul districtului modern Ramensky din regiunea Moscovei. Pe vremuri, aceste locuri erau numite Gzhel volost, iar satele Bokhteevo, Volodino, Gzhel, Kuzyaevo, Novokharitonovo și Turygino erau situate în această zonă.

Până în secolul al XVII-lea, țăranii locali produceau ceramică smălțuită relativ primitivă din lut. Situația s-a schimbat datorită dezvoltării industriale a argilelor locale potrivite pentru producția de porțelan. Punctul de plecare a fost ordinul țarului Alexei Mihailovici de a descoperi „argile potrivite” pentru producția de vase de farmacie - în 1663.

Experimentul a fost un succes; în 1710, comanda farmaciei a început să folosească materii prime locale. Farmaciştii au lăudat calitatea argilelor şi a venit momentul în care industriaşii au devenit interesaţi de ele. Erau interesați de materii prime potrivite pentru producția de porțelan. Prin decret al țarului, în 1844 a fost creată o comisie, care includea proprietarul unei fabrici de porțelan din Moscova, Afanasy Grebenshchikov, și inginerul fabricii Porcelinovo, Dmitri Ivanovici Vinogradov, care a primit studii de inginerie minieră la Universitatea din Marburg. . Am petrecut cinci ani căutând argila potrivită. În 1849, după opt luni de cercetări, au fost extrase argile din care se producea porțelan de primă clasă. M.V. Lomonosov însuși, un coleg de studiu al lui Vinogradov, a vorbit foarte bine despre calitatea lor.

Gzhel. Dezvoltarea producției

Industriașul Grebenshchikov a început să folosească materiile prime găsite la fabrica sa din Moscova. Cu toate acestea, oamenii deștepți din satul Gzhel și din satele din jurul lui, apropo, așa cum am menționat, aveau deja abilități de olărit, și-au dat seama și de beneficiile utilizării argilelor de calitate superioară.

Lucrurile au mers rapid, deoarece în sate locuiau consultanți excelenți - lucrători de producție de la fabrica lui A. Grebenshchikov. În perioada 1750-1820, artizanii au produs majolice - ulcioare alungite, farfurii, căni și feluri de mâncare. Pictura ornamentală a fost realizată cu vopsea verde, galbenă, albastră și vinete pe fond alb. Imaginea includea o pasăre în centru, iar în jurul ei erau copaci, tufișuri și case. (adică tipurile primitive demonstrate de pictură pentru vesela). Bucatele erau la cerere. Concurența calitativă a apărut. Conducătorii erau foste fabrici de ceramică, producând semifaință de înaltă calitate, identică cu preparatele „străine”.

Abilitatea a fost perfecționată de peste 80 de ani, iar din 1820, aproape toți meșterii din Gzhel produc semifaință. Aceasta este perioada de glorie a artei Gzhel. Produsele maeștrilor pot fi văzute și în Schit. Această veselă a început să fie considerată cea mai bună și mai elegantă din Rusia. Ceainicele, bolurile și farfuriile pictate caracteristice Gzhel umpleau casele comercianților și nobililor și tavernelor. Tipurile de pictură sunt îmbunătățite. Gzhel este cumpărat în toată țara, de la Arhangelsk la Astrakhan și exportat în Asia Centrală și Orientul Mijlociu. Produsele sunt produse de aproximativ treizeci de fabrici. Următorii producători sunt angajați în producția de Gzhel: Barmins, Guslins, Gusyatnikovs, Kiselevs, Terekhovs, Sazonovs.

Din păcate, începând cu 1860, pictura Gzhel a început să scadă. Arta populară, născută din competiția a sute de mici producători și a zeci de producători mijlocii, este stors de pragmatismul marilor monopoluri. Dintre monopoliști, s-a remarcat M. S. Kuznetsov, cu cele cinci fabrici și o producție anuală de 2,1 milioane de ruble. Capacitatea de producție a tuturor celorlalți era de 14% din cea a lui Kuznetsov. De fapt, producătorul Kuznetsov a fost cel care a „zdrobit” creativitatea. Concurența a dispărut, motivația a scăzut, calitatea a scăzut și s-a instalat declinul.

Cum pictează artiștii Gzhel

Gzhel este unic prin faptul că fiecare maestru, folosind tipuri clasice de pictură artistică, își creează propria tehnică individuală.

Aceasta este o artă subtilă. Rolul principal revine experienței maestrului, care se manifestă în modul în care se mișcă pensula. În același timp, pe albul înzăpezit al porțelanului se obține o schimbare armonioasă a culorii de la albastru intens la albastru neclar. Toate acestea sunt vopsite cu o singură vopsea - cobalt. Modelul este aplicat pe suprafață „prima dată”, rapid.

De ce este importantă priceperea artistului? Inițial, culorile reale ale desenului nu sunt vizibile (o caracteristică a cobaltului). Tot ceea ce este reprezentat pare să fie într-o singură culoare și numai atunci când Gzhelul este ars în cuptor, designul va apărea în întregime.

Care este compoziția lui Gzhel? Rolul central în ea este de obicei jucat de o floare decorată. Pe părțile laterale ale acestuia există o parcelă „pe bază de plante” șerpuitoare armonioasă, îmbogățită cu frunze și fructe de pădure. Se întâmplă ca în acest desen să fie țesute scene animale sau cele legate de viața de zi cu zi (de exemplu, acasă).

Cum obții de fapt un astfel de desen? Tipurile de pictură artistică pentru „pictat prima dată” Gzhel se reduc de fapt la metode de aplicare a unui accident vascular cerebral. Sunt doar patru dintre ele: o lovitură de pensulă umbrită, pictură cu o singură pensulă, un model sitchik, precum și imagini complementare.

Pensula umbrită în rețea se caracterizează printr-o gamă largă de culori datorită intensității variate a aplicării cobaltului printr-o rotire specială a pensulei de către artist.

Pictura cu o singură pensulă se caracterizează prin faptul că fiecare mișcare ulterioară este diferită ca ton de cea anterioară. În același timp, intensitatea loviturilor scade treptat, se „luminează”.

Modelul sitchik este cel mai subțire. Se desenează cu un singur capăt al pensulei.

Tipurile de picturi folosite de Gzhel nu se caracterizează prin replicarea fotografică a motivelor naturale, ci sunt reinterpretate și prezentate într-o configurație neașteptată. Frunzele și petalele albastre reinterpretate de lalele albastre, asteri, garoafe și trandafiri reprezentați de artist urmăresc contururile păsărilor sau animalelor. Uneori ei conturează obiecte sau obiecte de zi cu zi stilizate (de exemplu, colibe țărănești).

Imaginile complementare de tip „iarbă” - virici, spirale, elemente de umbrire, diverse linii, fragmente geometrice - dau imaginii complete și creează accentele necesare.

Apariția picturii Polkhov-Maidan

Pictura populară rusă este diversă. Tipurile sale, în toată diversitatea lor, pot fi descrise probabil într-o monografie de specialitate, dar nu într-un articol. Prin urmare, sarcina noastră este mai modestă. Am numit deja cele mai „promovate” tipuri de pictură: Khokhloma și Gzhel. Totuși, există și altele, toate sunt originale și sunt destul de multe. Să numim câteva: Boretskaya, Gorodetskaya, Mezenskaya, Onezhskaya, Permogorskaya, Pizhemskaya, Polkhovsko-Maidanskaya, Puchuzhskaya, Rakulskaya etc. Fără a putea vorbi în detaliu despre toate în acest articol, vom prezenta o descriere a singurului dintre ei - Polkhov-Maidan.

Această pictură a apărut la începutul secolului al XX-lea în districtul Voznesensky din regiunea Nijni Novgorod. Aici, în satele Polkhovsky Maidan și în satul Voznesenskoye, la sfârșitul secolului al XVIII-lea, a existat un comerț cu strunjire al călugărilor Mănăstirii Sarov. Țăranii au învățat și meșteșugul strunjirii, devenind meșteri pricepuți în fabricarea ustensilelor din lemn. Meșterii au făcut și, așa cum o numeau ei, „tararushki”, adică obiecte de distracție: fluiere, ciuperci, păpuși de cuib, ouă de Paște, jucării pentru copii.

Impulsul pentru crearea picturii a fost achiziționarea unui aparat de ardere de către țăranul Polin Pavel Nikitich, iar din 1926, creativitatea trezită a țăranilor i-a determinat să picteze produse cu vopsele în ulei, iar din 1933 au fost înlocuite cu vopsele cu anilină.

După ce creativitatea locuitorilor din Polkhov a fost adoptată de locuitorii din Zagorsk, Merinov și Semyonov, au fost create noi tipuri de pictură de păpuși cuib (vom atinge acest subiect mai târziu).

Tehnologia stilului de pictură Polkhov-Maidan

În primul rând, suprafața produsului din lemn a fost șlefuită și amorsată cu pastă de amidon. Apoi conturul desenului a fost desenat cu cerneală, după care s-a realizat pictura. Pentru aceasta s-au folosit vopsele de patru culori: roșu, galben, verde și albastru. Apoi a fost efectuată „indicarea”, o etapă artistică caracteristică stilului Polkhov-Maidan, care a constat în conturarea conturului desenului în negru. Să adăugăm că acest tip de pictură implică o tehnică precum suprapunerea culorilor.

Acest tip de artă folosește și o tehnică specială de pictură fără contur.

Am menționat acest tip de pictură dintr-un motiv. A înflorit în URSS până în anii 90 inclusiv. Cinci mii de oameni lucrau la fabrica Voznesensk. Dintre aceștia, 40% sunt artiști care desfășoară pictură, restul sunt strungari. Au abordat munca în mod creativ și a existat un laborator de creație în fabrică. Produsele au fost exportate în SUA și țări europene. Astăzi, tradițiile stabilite de fabrică sunt dezvoltate de antreprenori.

Majestatea Sa Matryoshka

Pictura rusă nu s-a dezvoltat întotdeauna evolutiv. Părerile sale au apărut uneori pe neașteptate - nu din „adâncurile secolelor”. Ele au fost generate de înțelegerea unui maestru rus creativ. Așa s-a întâmplat cu păpușa de cuib. Nu este o invenție nativă rusă.

Matryoshka a apărut în Rus' în secolul al XIX-lea la Sergiev Posad. Soția artistului Serghei Vasilyevich Malyutin în 1898 a adus din Japonia o figurină a bătrânului Fukuruma, care conținea încă patru figuri (apropo, conform legendei japoneze, prima astfel de figurină a fost făcută de un călugăr rus). Serghei Vasilievici și-a regândit ideea „în rusă”. A apărut o idee genială - de a modela o familie tipic rusă. Numele Matryona era atunci popular în Rus'. În plus, așa cum credea Miliutin, ecou a fost numele antic roman al mamei familiei.

Serghei Vasilevici a făcut un desen al unei figurine cu opt atașamente. Femeia a fost urmată de fiica ei cu un cocoș negru, apoi de fiul ei, apoi din nou de o fată, a opta figură era un bebeluș. Formele lor au fost sculptate din lemn de strungarul V.P. Zvezdochkin. Însuși Serghei Vasilievici a pictat figura.

Producția de păpuși cuibărătoare. Tipuri de pictură

Popularitatea la nivel mondial a păpușii de cuib și recunoașterea ei de către lume datează din 1900, când a „ieșit în lume” - la Expoziția Mondială de la Paris.

Ar putea arta populară să treacă pe lângă păpușa de cuib? Deja în 1899, întregul Sergiev Posad producea noi păpuși fermecătoare: fete și femei, roșii, în caftane și șorțuri sau în eșarfe și rochii de soare, cu coșuri, animale de companie, păsări, flori. Stilul Zagorsk (după cum știți, Sergiev Posad a fost redenumit Zagorsk) s-a remarcat prin pitoresc și atenție la detaliile mici.

Din 1922, păpușile matrioșca au început să fie produse și în satul Merinov din regiunea Nijni Novgorod. Turnarul local A.F. Mayorov, după ce a cumpărat o păpușă matrioșcă Sergievskaya, și-a transformat „a lui”. Fiica lui a pictat figurile. Merinienii au stăpânit rapid producția acestor figurine complexe. Păpușa de cuibărit Merinovskaya este luminoasă, deși cu mai puține detalii decât cea din Zagorsk.

Al treilea „depozit de păpuși cuibărătoare” a fost satul Polkhovsky Maidan, renumit pentru strunjiri și pictură. Păpușa de cuib Polkhovskaya are propriile sale caracteristici:

Un chip pictat trecător, cu mici linii;

Locul contururilor eșarfei și liniilor rochiei de soare (fustă), din spate 2/3 din matryoshka este vopsit stacojiu (roșu) sau verde. Culoarea eșarfei contrastează cu ea. O floare de trandafir de molid este pictată în zona frunții matryoshka. Șorțul este marcat - de la gât până la pământ. Pictura șorțului este grupată „de-a lungul unui oval”. În mijloc există o ramură cu un trandafir deschis, frunze și fructe de pădure. Compoziția este completată de margarete și nu-mă-uita.

Cel mai dificil de realizat este considerată păpușa de cuib de la Vyatka, pe care meșterii locali o încrustă cu paie.

Concluzie

Pictura artistică rusă ca tip de artă decorativă și aplicată se bazează pe o tradiție populară profundă, pe conștientizarea oamenilor despre ceea ce este Patria Mamă, ce este o familie. Este legat de viața de secole a strămoșilor noștri, astfel încât produsele pictate poartă o încărcătură de căldură, umanitate și o atitudine creativă față de viață. Ele decorează cu adevărat viața unei persoane moderne, înlocuiesc „impersonalitatea” și introduc elemente de decorare a spațiului de locuit.

Pictura artistică adaugă și câteva accente vieților noastre, amintindu-ne de continuitate, Patria și datoria umană universală a fiecărei persoane de a face viața din jurul nostru mai frumoasă.